有100笔画的字吗
没有100笔画的字。笔画最多的和制汉字是由“龘(dá)”字和“䨺(duì)”字组合而成，共有84画，这个字被收录于日本的TRON计划内。该字是日本人姓氏用字，在日本“生命保险公司”中的人名资料和东京都的电话簿中发现的，但是否属实还有待确认。这个84画的汉字于2010年6月被千叶县松户市的一家拉面店用作店名，成为使用该字的一个实例。扩展资料：笔画是构成汉字字形的最小连笔单位，按照2001年12月19日教育部和语委发布的《GB13000.1字符集汉字折笔规范》中印刷楷体汉字的标准，通常把汉字的笔画划分为32种（此分类不包含“〇、𠃉、乁、𢀓、𡧑、𠆭、𦮙、𠍋”等及韩国汉字、和制汉字）。包括：点（丶）、横（一）、竖（丨）、撇（丿）、捺（乀）、提（㇀）六种基本笔画（即平笔）和横折（𠃍）、横撇（㇇、フ）、横钩（乛）、横折钩（、𠃌）、横折提（㇊）、横折弯（㇍）、横折折（㇅）、横斜钩（⺄）、横折弯钩（㇈）、横撇弯钩（㇌）；横折折撇（㇋）、横折折折钩（𠄎）、横折折折（㇎）、竖提（𠄌）、竖折（𠃊）、竖钩（亅）、竖弯（㇄）、竖弯钩（乚）、竖折撇（ㄣ）、竖折折（𠃑）、竖折折钩（㇉）、撇点（𡿨）、撇折（𠃋）、斜钩（㇂）、弯钩（㇁）；卧钩（㇃）二十六种派生笔画（复合笔画，即折笔）。而在印刷宋体中，卧钩（㇃）一律作竖弯钩（乚），故笔画可分为31种（此分类不包含“〇、𠃉、乁、𢀓、𡧑、𠆭、𦮙、𠍋”等及韩国汉字、和制汉字）。注：有时也把横斜钩（⺄）归类到横折弯钩（㇈、乙），竖折折（𠃑）归类到竖折撇（ㄣ），横折折（㇅）归类到横折弯（㇍），卧钩（㇃）归类到斜钩（㇂）。参考资料来源：百度百科-笔画
有一百个笔画的字
没有100笔画的字。笔画最多的和制汉字是由“龘(dá)”字和“䨺(duì)”字组合而成，共有84画，这个字被收录于日本的TRON计划内。该字是日本人姓氏用字，在日本“生命保险公司”中的人名资料和东京都的电话簿中发现的，但是否属实还有待确认。这个84画的汉字于2010年6月被千叶县松户市的一家拉面店用作店名，成为使用该字的一个实例。扩展资料：传统的汉字基本笔画有八种，即“点（丶）、横（一）、竖（丨）、撇（丿）、捺（乀）、折（乛）、弯（）、钩（亅）”，又称“永字八法”。汉字的字体分手写体和印刷体两种。手写体是指文字的手写形式，它灵活多样，现代汉字手写体主要有楷书、草书、行书等三种。手写体的汉字笔形因书写时使用硬软笔的不同而有所差异，如使用硬笔书写的竖笔类笔形，用软笔（如毛笔）书写时还可分为短竖、长竖、悬针竖和垂露竖等笔形。印刷体是指文字的印刷形式，现代汉字印刷体主要有宋体、仿宋体、楷体、黑体四种，其中宋体和楷体是最常用的印刷体。在汉字字形整理之前，印刷宋体和印刷楷体的笔形、笔势差异较大，如印刷楷体的“即”，在印刷宋体中则为“即、卽”两种字形。为了使印刷宋体与印刷楷体的字形尽可能趋于一致，原则上使印刷宋体向印刷楷体靠拢，中华人民共和国文化部和中国文字改革委员会（今国家语言文字工作委员会）于1965年1月30日发布《印刷通用汉字字形表》规范了印刷通用汉字字形。
书法鉴定有价值吗？
内容摘要：现代书法的鉴定主要可从三方面入手：一是要了解现代书法的艺术风格、艺术流派和艺术特征；二是要掌握地域、群体代表书家的书体结构和用笔特征；三是要熟悉现代书法作伪的形式和鉴定的方法。 关键字：鉴定 书风 特征
现代书法的鉴定相对于古代书法的鉴定既难又易。所谓难，主要是现代书法个性突出、风格各异，流派纷呈。所谓易，毕竟现代书家离我们的时间较近，其资料的对照性及鉴定的可靠性比古代书家容易得多。
现代书法的鉴定，主要可从三方面入手：一是要了解现代书法的艺术风格、艺术流派和艺术特征；二是要掌握地域、群体代表书家的书体结构和用笔特征；三是要熟悉现代书法作伪的形式和鉴定的方法。
一、了解现代书法的艺术风格、艺术流派和艺术特征
现代书法的发展与历史、政治的发展，以及学术风气密切相关，在不同时期、不同地域存在着不同的艺术倾向，并产生了诸多的艺术流派。
现代书法直接承袭清代遗韵而又自具面貌，其书风主要有三方面：一、民国时期的阴柔书风。二、篆刻金石与书法融汇一体的书风。三、书法与绘画融合的书风。
（一）民国时期的阴柔书风
民国初年的书风，受明清两代书法的影响，书法家们追寻商周、秦汉、魏的上古书风，注重古文字的研究与考证。甲骨、碑版、画像以及汉简均为书家所重。这一时期书家大多碑、帖并重，篆、隶、真、行、草诸体兼习。书法教育的兴起、书法组织、书法活动的增多，推动了书法的普及和书艺的发展。这一时期成就突出的书家有杨守敬、康有为、吴昌硕、沈曾植等。其艺术成就总的来说，很难超越前贤，然就时代发展趋势而言，书体的涉及之广，书风的出陈之新，则较前代有所发展。
民国中期，又有新的发展与变化。书家们在经过长期的艺术实践与理论探讨之后，对碑帖都采取了博采众长、兼容并蓄的态度，书学风气的活跃和风格的多变，加快了书法现代化发展的节奏。此时的书坛，呈现出面貌众多、书体各异、名家辈出的局面。其中有碑帖兼长的郑孝胥，金篆均工的吴敬恒，四体皆工的马公愚，专攻章草的章太炎，行草尤精的于右任。而其中以章太炎、于右任成绩最为卓著，在推行章草和标准草书方面做出了突出贡献。
民国时期的书法风格在总体上偏于阴柔。清代早期的书坛崇尚董其昌、赵孟頫的书法，以阴柔细腻之风为主流。强大的碑学运动则一反千年帖学的阴柔细腻，变得雄强、丑拙、支离与率意。对帖学的回归是民国时期书法呈现的突出特点，因而民国时期的主导书风趋向于阴柔化。
（二）篆刻金石与书法融汇一体的书风
现代书坛，还有一批擅长篆刻、金石而书艺成就不凡的书家。他们大都是集篆刻、书法为一体。现代篆刻艺术，因受“浙派”、“皖派”的影响，其技艺能荟萃甲骨、陶文、钟鼎、印玺之长而参道变化，在展现出高超的艺术水准和浓郁的民族气息的同时，篆刻家们的书法艺术也同样显示出他们的优势。①他们从大量的甲骨文、封泥、钟鼎、金文、陶文等资料中吸取营养，并有机地运用到书法创作实践中去。这些书家大都四体皆能，尤擅篆隶、金文。其书作具有较强的金石韵味，呈现出古朴雄浑、清醇典雅的风格特征，代表书家有罗振玉、朱复戡、来楚生等。
（三）书法与绘画融合的书风
在现代书法家中，还有一些擅长绘画的书法家，他们不仅在绘画上取得了卓越的成就，在书法上也造诣颇深。这一类书法家都以书法为绘画的基本功，其书法更注重写意，在笔法运用、结体布局上均与一般书家不同。注重笔画的内在质量，讲究骨法用笔和线条的起止变化。在结构、章法的安排上不太注重法度，故其书体高低偃仰、错落有致、率真自然、典雅厚重，显示出浓烈的时代特征。其代表书家有黄宾虹、齐白石、吴湖帆、张大千、陆维钊等，而尤其以黄宾虹、齐白石等人成就最为突出。
二、掌握地域、群体代表书家的书体结构和用笔特征
现代书坛、流派纷呈、名家辈出，除了必须了解现代书法的艺术风格和流派外，还应掌握各个不同时期、不同地域、群体代表书家的书体结构和用笔特征。从这些代表书家入手，就可起到提纲挈领、举一反三的作用，这对鉴别其他书家作品的真伪可起到参考作用。
现代书坛在各个不同时期均有杰出的代表书家。在民国初期的遗民书家中，较有影响的代表书家有郑孝胥、罗振玉、梁启超、谭延闿等，在民国中期变革书家中，代表书家有章太炎和于右任等，而在以篆刻与书法融汇一体的代表书家中又以赵叔儒、王福广、朱复戡影响较大，在书画融合的书家中以黄宾虹、齐白石成绩最为显著。
三、熟悉现代书法作伪的形式和鉴定的方法
现代书法作伪的方法很多，除了利用高科技，如用高倍的实物投影仪，精焦距的幻灯机将原作投放在壁面上，而后请人描绘作伪，更多的是请一些已故名家子女代笔或一些私承弟子作伪。这些人一般比较熟悉被仿对象的书体特征、书法风貌、笔法特点。画商们出一定的价格，请作伪者仿写，其数量有的几幅，甚至成批，而后加盖留存下来的印章。无印章者，一般将高清晰出版物或原作上的印章制成锌版，更有的用电脑制作，经处理后钤盖。书法作品利用木版水印冒充作伪或利用出版物作伪，较之绘画来说相对较少，主要是因为木版水印需相当的成本，经济上划不来。再者，书法作品比绘画作品鉴定真伪相对来说要简单。
现代书法作伪明显带有区域性作伪的特征。如齐白石、徐悲鸿的伪作大多来自北京；沙孟海、陆俨少的伪作大多来自杭州，李叔同、吴湖帆、沈尹默等人的伪作则在上海。有些名家书法的作伪则遍布全国了，如黄宾虹、于右任、张大千、章太炎等，其仿作遍布北京、上海、杭州，甚至在广州、海南等地亦有人作伪。
一般来说，鉴定传统的书法作品相对于绘画作品要复杂些，其线条的运行、章法的布局、款识与钤印的特点有时令鉴定者无从下手。而鉴定现代书法作品则比绘画作品要简单些，主要是现代书家离我们较近，人数虽然也不少，但与古人相比要少得多，而且都集中在一个较短的时间段。较容易找其原作、相关资料进行比照；再者作伪者的水平，比古代人要差得多，无论是笔墨技巧还是书外学养跟古人比都有差距。
鉴别的方法归纳起来有：一是了解每位代表书家的书风特征，用笔习惯，个性特点以及师承渊源。二是了解各地区，各书家的作伪方法和形式。三是鉴定者必须自己临习书法，了解书法的一般技法与审美特质。
在具体鉴定时，凡运笔唐突、墨色灰黯、结体杂乱，且气韵不佳、气脉不通、气息不纯的作品，便应引起重视。在用笔上，多注意挑、勾、撇、捺的起、收笔和转折处是否自然合理，用笔的藏与露、方与圆，用墨的浓与淡、枯与竭，结字的松与紧、疏与密都要用心观察，尤其是首字和尾字更应该注意。章法上要注意邻近字的关系、行间和竖间的距离是否舒适得体，全篇章法布局是否和谐统一。此外还应摸清作伪者与被作伪者的关系和本质区别，以便鉴定时作参照。
参考文献：
①《书画鉴定与收藏》叶子著 上海人民美术出版社 2006年3月第一版，第224页。
为什么那些画那么贵？
毕加索是这些大师里唯一一个活着的时候就知道自己很成名的杂种。
你问凡高本人他可能都不知道为啥他的画这么贵，但客观讲那些画很厉害
这些都是人类的结晶，在未来都很重要，比起那些普通商品，这些能不无价吗，你懂得什么是人类的价值吗
凡高的耳朵没了，再卖画，能不无价吗，你自己要不要试
另外你知道那些大师用色是多么精湛吗，不知道就别乱说，你看不出，没有关系的，记住
如果你有几十亿美元（在美国也不罕见），凡高向日葵系列中的那个画
就那么一幅，你又喜欢画，那1000万BUCKS，你买不买
有的画也是画家呕心沥血一两年画出来的，你知道画对于一个画家意味着什么吗？你懂什么叫卖画如卖子，卖画如卖“肉”，卖画如卖血吗？
收藏是什么
收藏是一种习惯。收藏是一种习惯，而且是一种“顽习”。是凡有收藏经历的人，需要具备一定的情趣。就象有的人爱打牌、有的人好吃酒、有的人好泡妞、也有的人好驾游一样。然而，使这种情趣成为一种习惯，需要通过量的积累，需要通过一定的时间。这和人们有没有钱，有多少钱没有十分确定的联系。有人很有钱，但没有这种情趣，就不一定涉足收藏。有人年龄不是很小，但没有养成这种习惯，就不一定会涉足收藏。收藏是一种磨练。收藏的过程并不是没有坎坷，也并不是总让你笑得那么灿烂。甚至还要受到传统习俗、资金条件、心理反复等各方面的制衡。一个衣冠楚楚的公众人员在境外机场吸烟室的垃圾桶里拣烟盒、一个工薪族家庭买一张漂亮烟标需要动用一两个月的薪水、一个打牌输了钱想用藏品变现，腰酸脖子疼时有之、兜比脸干净时候有之，周围人奚落不务正业时候有之，诸如此类，难道不是对自己的磨练吗。收藏是一种积累。收藏是一种意志力的积累、是一种知识量的积累、是一种鉴赏观的积累。也是一种投资技巧的积累，当然也是一种资本积累。然而，这种积累是一个漫长的过程、需要面对许多抉择，要耐的住寂寞、经得住喜悦、受得了冲击，好高鹜远不行、一暴十寒不行、朝三暮四不行、有句话叫做“走自己的路。让他们说去吧”，我再加一句前缀，就是“要看准方向”。收藏是一种比较。比较是一种基本功，打击别人抬高自己不行，这船望着那船高也不行，比较是科学范畴，如果把自己玩的东西当成是最好的东西是最危险的。集邮的人不要说集标是攒垃圾、集标的人不要说集邮是抄作，玩三无的不要说中烟不好，搞盒子的不要说搞纸片子的不好。每个存在都有其合理性，然而每个合理的东西并非必须存在。这样通过比较去判断、去抉择。每个门类和行当都有自身的长处和弱点，我们要借鉴别人，丰富自己，多看人家的长处、多挑自己的不足，注意总结，汲取教训。收藏是一种触媒，收藏经历越长，感触越深。收藏对事物和人生都可能起到一定的促进作用，藏物者先藏心，藏心者必藏德。只有我们把收藏当成一种习惯，不断磨练自己，积累自己，不断学习和提高。通过时间的推移，收藏一颗心情、收藏一种风德、收藏一个境界、收藏一点资本、收藏一片世界。
收藏的词语解释
收藏 [shōu cáng]
生词本
基本释义 详细释义
1.收集保藏
2.收起来保存
3.指收藏的金玉珍宝等物
4.燕赵之收藏，韩魏之经营。--唐.杜牧《阿房宫赋》
近反义词
近义词
珍藏 典藏 选藏
反义词
抛弃 散失
百科释义
收藏，词语，本义为收集保藏、保存的意思。收藏又分为国家收藏和民间收藏，国家的收藏品保存在博物馆中。民间收藏的质量也在逐年提高，藏品的年份也越来越久远。
艺术派有哪些主要艺术家及他们的艺术特色
莫奈的童年
克劳德·莫奈(Claude Monet, 1840-1926)1840年生于巴黎，童年在阿弗尔渡过。他没有按照画家的常路走，而是以画漫画起家，在画漫画方面有了一些名声，并受到欧·布丹(Eugène Boudin, 1824-1898)的注意。布丹曾对莫奈说“当场画下的任何东西，总是有一种以后在画室里所不可能取得的力量、真实感和笔法的生动性。”莫奈在他今后的绘画生涯中也是按布丹说的话去做的，因为在他的内心里充满了对大自然的热爱。
不久，莫奈又被荷兰的画家约翰·巴托尔·德·琼康的创作所吸引。这位画家以动荡、兴奋、活泼而且比他同时代的法国人更为活跃的笔触画小桥、村景、河岸和破旧的茅草屋。莫奈就是从布丹和琼康那里接受到了基本艺术修养的。
1840年10月14日，莫奈生于法国巴黎。父亲库路多、阿多洛夫、莫奈是一位商人，在法国北部港口阿弗尔与他的姐夫合伙经营着一家仪器店。莫奈5岁时。来致函父亲的身边。在当地就学后，他将学校视同牢狱，在悬崖和海边嬉戏的时光多于听课，故此学习成绩不佳，在班上总是排在倒数几名的位置上，这个孩子唯一的爱好是绘画，他常常在笔记本上作素描，以老师和同学为对象画漫画，日积月累，倒也掌握了一些绘画技巧。不过，父母对此不赞成。小莫奈乐此不疲，加上与生俱来的秉赋，几年过后，他的漫画居然开始在文具里展出并且出售。15岁的时候，莫奈在当地已小有名气，他为自己作品开出的 格是每幅20法郎。经过画商的介绍，这位少年画家被专门描绘海上风光的画家布丹所看中，二人从此结识。布丹动员他“学习用油画和素描来画风景”，乍开始莫奈并没在意，甚至是找借口有礼貌地加以拒绝。由于布丹的一片诚心，终于感动了这位少年。自学成才的布丹，习惯于在露天作画，他主张“一定要去寻找自然的纯朴的美”、“要顽强地保留最初的印象”。对此，莫奈也深以为然，因为在他的内心里也充满了对大自然的热爱。从1858年起，莫奈开始从布丹那里接受了有同于学院派的绘画思想，学习并动笔画外光画。布丹所强调的：要特别注意对所描绘对象的第一印象、要注意光。更是在他的心中深深地扎下了根。就在二人一起到户外作画的过程中，莫奈创作了一些有关阿弗尔港、海港、日出、海上小船等题材的作品。其中的1幅还与布丹的4幅作品一起在鲁昂的展览会上展出。
写生巴黎
在布丹的建议下，莫奈于1859年5月到了巴黎。
在巴黎，他看到了特罗容、杜比尼、柯罗等人的作品之后，极为赞赏。经布丹介绍，莫奈与巴比松画派的画家有了接触，认识了该派代表人物之一的特罗容。特罗容提醒他“道德要进一个专门画人体的画室，要学习素描”，要“常常到乡村去画速写”。1860年，莫奈进了斯维赛学院，练习人体写生。这个所谓的“学院”，不过是一间画室，斯维赛是它的主人的名字，这里既不讲课，也没有考试，只要交上一点钱，就可以画人体模特儿。在这里，他接触到了后来成为印象派的一些画家，比如毕沙罗等。在这里，还创作了一些风景画。
这一年的秋天，经抽签决定莫奈需服兵役。此时，其父提出只要服从父母的意愿，安心在家做生意，就可以出钱雇人替他从军。莫奈对此毫不理会，毅然参军，入伍后被编入法国的非洲军团。不久，即随军到了阿尔及尔。在画家的眼里，非洲的景色与光线是美丽迷人的，经过部队的允许，他得到了可以作画的时间，在那里，他曾为队长的夫人画了肖像。
1862年初，因为贫血，莫奈从军营回到阿弗尔家里养病。这时他认识了荷兰画家琼康，并与琼康入布丹一起从事创作。布丹作画的纤细，琼康对动感的重视，以及二人注意捕捉第一印象的画风，都给这位初出茅庐的画家留下了深刻的印象。由于医生提出警告，如果莫奈回到非洲，将对他的身体极为不利，11月间，莫奈的父亲向当局提出了免除独生子兵役的申请，在交付了一定的费用之后，莫奈再次到了巴黎。并进入了古典派画家格莱尔的画室。在画人体的习作中，格莱尔要求大家按照古典的范画来修正自己的作品，要将人体描绘的尽量完美。莫奈则坚持准确、真实地反映模特儿的特点。他的主张得到了同室的巴齐依、雷诺阿、西斯莱的赞同。
这一年举办的沙龙落选画展中，莫奈看到了马奈的作品之后，受到了震动和启示。在1863年，借复活节的休假之机，莫奈将同窗的画友带到了巴黎南郊巴比松村附近的枫丹白露森林，在那里进行创作。在外光下，大家创作了一批具有巴比松风格的作品。
1864年，莫奈与这些画友离开了格莱尔的画室。来到了昂弗勒作画。在这里，莫奈的两幅描绘塞纳河的风景画《落潮的埃沃海角》与《昂弗勒港》，由于不同于学院派的造作手法，被选入1865年官方沙龙。这一年里，他在枫丹白露开始了大幅油画《草地上的午餐》的创作该作品于1866年问世。在总结了马奈同名作品在“沙龙落选画展”上引起的争议的基础上，莫奈是在画景之后才描绘的人物。画面上的人物朴实无华，具有自然的动感，显示了画家的现实主义功力。1866年，以恋人卡缪为模特儿，全身大幅肖像画《绿衣女》在同年的沙龙展出，该画受到了评论家左拉的好评；有一位诗人为作品乌 诗，被发表在《艺术家》杂志上；有的画商还要求莫奈根据原作再复制一件，准备送到美国去。由于这次的成功，家里恢复了对他经济方面的支持。
同年夏天，莫奈创作的《庭院里的女人们》，在1867年沙龙中落选。1866年的秋天，为了避开讨债的人，莫奈自毁了约二百幅作品后，回到阿弗尔。这时他的经济状况十分不妙，原因是父亲对于他和卡缪的关系很反感，从而断绝了经济上的支持，莫奈作品的销路又尚未打开。为了解决继续创作用的画布，他不得不将业已画好油画上的油彩刮掉，重复使用。1867年，怀孕的卡缪为莫奈的父亲所不容，留在了巴黎，莫奈住在姑母家。7月卡缪生下第一个孩子，只好请在巴黎的巴齐依作教父代为照顾。此后的几年中，莫奈始终在阿弗尔及其附近，与布丹、琼康，有时与库尔贝一起作画。在这个时期里，由于与父亲的关系紧张，经济拮据，生活艰难。为此，莫奈曾一度有过轻生的念头。1869年，他回到巴黎，参加了“盖尔波瓦咖啡馆”里艺术家的聚会。可能因为很早就离开了学校自感在受教育方面的不足，故而很少参与争论。这时他的穷困程度，从8月间写给巴齐依的信中可以看出，信中提到：由于雷诺阿送来的面包，才没有饿死。一个星期屋里没有炉火、没有照明。到了该月月底，颜料用光，不得不停止了作画。这时候的巴齐依也穷的典当了自己的表，雷诺阿连寄信的邮费都凑不齐。对于莫奈也是爱莫能助。
1870年6月，莫奈与卡缪正式结婚。9月，莫奈将妻、子托付给布丹照顾，只身一人去了伦敦。在那里与杜比尼、毕沙罗相会，然后，和毕沙罗一起在泰晤士河及公园中作画。在参观美术馆时，英国画家透纳（1775-1851）。康斯太勃（1776-1837）的作品，使其为之倾倒。为了给莫奈的作品找到销路，经杜比尼介绍，在这里认识了画商丢朗、吕厄。此人对于穷画家们表示了同情，在经济方面从此一直在支援着他们。
1871年初，父亲去世，莫奈离开英国。在杜比尼的动员下，到了荷兰并滞留到年底。在阿姆斯特丹，他看到了日本 的“浮世绘”版画之后，其中色调极富生气的风景画，给他留下了美好的印象。日后，他曾说到：它们的精致，使我欣喜。我赞成它们的美学原则，利用阴影引起实感，利用片断引起整体感。荷兰的港湾、运河、教堂、人家，特别是那里的风车，使他着迷。回到巴黎后，在马奈的帮助下，莫奈在巴黎以北的阿让特伊定居。对水情有独钟的这位画家，于1873年在塞纳河上建造了船上的画室，此后，他经常在船上作画。充分运用了不同方向，角度的光照、颤动的空气来描绘水及水面上的景物，通过鲜明的轮廓，阴影以及闪动的亮点，创伤了一批作品。此时，与他一起进行创作的还有西斯莱、马奈、雷诺阿。
1872年，莫奈创作了日后扬名于世的《日出、印象》。这幅油画描绘的是从远处观望阿弗乐港口晨雾中日出的景象。它在1874年3月25日开幕的印象派画家第1次联合展览会上展出。这幅作品本不是莫奈画作中最典型的，但是，由于一位名叫勒鲁阿的评论家，在4月25日的《喧噪》杂志上，发表了题为《印象主义的展览会》的文章之后，此画才名声鹊起。该文对参展的许多作品逐地进行了潮讽，针对莫奈的《日出、印象》，他写道“糊墙花纸也比这海景更完整”。与这幅作品标题不无关系地，该文作者将这次展览会戏谑地称之为“印象主义的展览会”。加之莫奈本人曾经表述过“我所画的不过是印象而已”这样的观点，以及以他为首的这批年轻画家，确实注意捕捉对描绘对象的最初印象等因素，尽管这些画家中有要并不同意这个提法，但印象主义、印象派这个称号已经是不胫而走。以致在1877年第3次联展时，干脆将其用作展览会的标题。1874年的这次联展，是由莫奈倡议并和朋友们一起组织的独立画展出 ，以摄影家纳达尔腾出的几间工作室为展厅，参展画家共有30多人，其中包括德加、毕沙罗、塞尚、雷诺阿、西斯莱、摩里索等。参展作品共165件，其中莫奈作品12件，通过这次展览，事实上确立了莫奈在印象派画家中的领袖地位，画家本人也已形成了用光、色的变化，来表现所捕捉的瞬里印象的画风。作为这一新画风的典型作品，当数这次参展的莫奈的油画《卡普辛大街》。
1875年，经济上再次跌入窘境的莫奈，又向朋友们伸出了求援的手。6月份，在给马奈的信中他写道：从前天起，已身无分文，肉铺和面包房都不再赊帐。你能够寄给我20法郎吗？1876年，在第2次联合展览会上，展出莫奈作品18件。对于此次展览，社会上反映比较冷淡。莫标的油画《穿和服的女子》，以2千法郎的高价售出。同年，画家还创作了《火鸡》等作品。并开始了有关圣拉扎尔火车站的一系列创作。1877年，第3次联合展览会在丢朗、吕厄的画店中举办。展出作品共252件，莫奈作品30件。为了维持生计，画家以每幅40—50法郎的低价，卖给了画商肖凯一部分作品。
1878年3月，当卡缪生下第2个孩子的时候，莫奈又面临困境，他在写给左拉的信中说：家中无法生火，妻子又在病中，昨天我跑了一天也未借到钱。在另一封信中又说：如果明晚我付不出6百法郎，我们将被赶到街上。在生活的重压下，加上长期与官方沙龙对立的结果，背离了当时被多数人维护的路线，这时的莫奈已在考虑如何适时抓住机遇，改善个人处境。于是，在1880年将自己的两件作品送交了沙龙，莫奈此举被德加视为“变节”印象派画家之间出现了裂痕。为此，莫奈没有参加第5、6次联展。
进入80年代，大海成了莫奈新的创作源泉。此后的几年当中，在英法海岸，埃托塔等地，莫奈多次捕捉光与影的瞬间效果，创作了一批较之以前更富有冲击力的作品，为此有人将这一时期称作莫奈的“埃托塔时代”，图31、32是这个时期作品中的两件。
1882年3月1日，第7次联合展览会开幕，据马奈说：在这里，他“发现了印象主义的全部光辉作品”。这次展览中有莫奈作品35件。1886年的第8次联合展览，也是最后的一次，莫奈没有参加。它标志着印象主义运动的解体。
自从1883年起，莫奈开始在吉维尼定居后，再也没有迁居。吉维尼位于巴黎沿塞纳河到鲁昂的中间。住所内环境幽美，景色宜人，有林荫路、花坛、池塘、小桥┉画家晚年的许多作品都是在这里完成的。
1889年6月，为了纪念法国大革命一百周年，莫奈与罗丹两位大师举办了作品的联合展出，其中包括1864—1889年莫奈的作品66件，博得了好评。
进入90年代，莫奈创作了若干组作品，即“组画”。所谓的“组画”，就是画家在同一位置上，面对同一物象，在不同时间、不同的光照下，所作的多幅画作。这大概是莫奈晚年作品中的一个特色。比如1890—91年间，对同一干草垛，画家分别对在不同季节的早、午、傍晚的阳光下，物体所呈现出的不同色彩，任职多达15次的描绘，图44、45是其中的两幅。在1891—92年间，以同样的作法创作了“白杨组画”，图46、47是其中的两幅。1900—04年间，创作了“伦敦风光组画”，图51是其中的一幅。当1892—974年创作“鲁昂大教堂组画”时，莫奈租下了教堂对面的一间房子，从天明开始动笔，随着阳光的变化作画，一天下来，作品竟有20件，图48、49是其中的两幅。在进行这种创作时，他常常是很早起来，满载着成车的画布，根据日光的变化，每隔两个小时改画一幅。在80年代末、90年代初创作的组画还有《睡莲》。1900年11月，在丢朗、吕厄的画廊展出莫奈的《池中睡莲》组画26件，获得极大成功。1904年，又在该画廊展出了刚刚完成的有关泰晤士河风光的组画。
1908年9—12月，莫奈与夫人阿里斯一起前往威尼斯旅行。南国的风光、温和的气候、湿润的空气，映在水面上的白云、建筑物，这一切都激起了画家的创作欲望。在这里他创作的作品达30多件。图52、53是这些作品中上两件。
1911年5月，继1879年莫奈夫人卡缪去世后，他的第2位妻子阿里斯又先他而去。画家深陷于悲痛之中，视力也随之下降。1914年，47岁的长子在长期患病后不幸亡故，已是高龄 的莫奈更是形单影孤。在老朋友，曾任法国总理的克雷孟梭的劝说下，莫奈在自己的庭院中建成了长23米、宽20米、高15米的大画室，并着手创作大型装饰画《睡莲》毓系列。1922年3月，他决定将完成后的该大型装饰画捐献给自己的祖国，4月12日，他在“赠与书”上签了名。不久，由于白内障，画家几乎丧失了视力，9月，被医生禁止作画。转年后，经过手术，视力有所恢复。1925年，85岁的老画家独自一人，又在画定室、室外投入了大型壁画的创作之中。在人们期待的目光里，这件足以反映出画家对光与色认识的深度，描绘技巧娴熟的大型壁画《睡莲》，业已耗尽了他的全部心力。就在这件巨作完成的第2天、1926年12月6日，这位仅存的印象派大师永远地告别了人间，按照既定计划，《睡莲》被安置于卢浮宫旁、原法王亨利二世王后的土伊勒宫里宫中桔园的 园形大厅，作为永久性陈列品。1927年建成的该厅，被誉为“印象派的西斯廷礼拜堂”。（西斯廷礼拜堂内有波提切利等名家壁画，特别是米开朗琪罗的《最后的审判》，更是驰名世界）按照死者生前愿望，在他去世的第2天上午，举行过简单的告别仪式之后，即将遗体安葬于当地莫奈夫人的墓地。送葬的除去一些艺术家外，还有当地的群众，以及克雷孟梭，期间并未安排讲话，献花等。在静静中大家送走了这位艺术大师。
从印象主义的产生、发展看，始作俑者非马奈莫属，但真正完全实现印象主义理念和技法、并且一以贯之的当推莫奈。是他将毕生精力献给了对西方画界产生了重要影响的印象主义，是以他为首的一批艺术家的不懈努力，突破了此前学院派的保守思想，极大地冲击了19世纪后半叶占据西方画坛统治地位的官方艺术，从而为掀开西方现代绘画史新的一页，作出了重要贡献。为后人留下了宝贵的艺术财富。应该说莫奈是印象派画家中最先获得成功的人，尽管后来的野兽派、立体派、超现实主义等艺术流派，并未遵循印象派创立的一些原则，但创立这些流派的艺术家，都从印象派那里汲取过营养。
还要提及的是印象派的理念、技法，本是基于现实的观察而提出的，但是，由于热中于描写光与色，甚至将其神秘化，从而出现了不顾及现实物象的倾向。莫奈曾说过：作画里，要忘掉你眼前是哪一种物体，想到的只是一小方兰色、一小块长方形的粉红色、一丝黄色。因此，就出现了画家的创作中的注意力，不是集中于要表现的景物上，而是放到了景物周围的空间环境、光线、烟雾、气流所产生的效果上，或只是局限于表达在一定条件下，景物着光给画家留下的瞬间印象上。因此，就有可能导致只抓住了细微的变化，而失去了解对全局的把握；只反映了微妙的色彩层次，而忽略了景物形体的后果。
莫奈来到巴黎，在那里见识到了居斯塔夫·库尔贝（Gustave Courbet,1819-1877）、让-巴蒂斯特·卡米耶·柯罗（Jean Baptiste Camille Corot,1796-1875）以及爱德华·马奈（Edouard Manet1832-1883）的创作。他认真鉴赏了他们的绘画长处，并且以惊人的速度运用了他们的成就。但莫奈并不是他们的追随者，而是一个反叛者。莫奈并不想在学院完成他的学画过程，他只在1863年在格莱尔学院的画室里呆了一段时间。当他遇到了巴齐依（Bazille）、阿尔弗莱德·西斯莱(Alfred Sisley,1839-1899)和皮埃尔·奥古斯特·雷诺阿(Pierre-Auguste Renoir,1841-1919)以后，他便劝说他们也放弃那些学字派课程。当格莱尔学院的画室停办后，他便把他的伙伴们带到枫丹白露林边的一个小村庄——舍依，在那里画户外写生。
当莫奈离开了格莱尔学院画室后，他并没有去充实他那相当贫乏的艺术修养，而是怀着火热的信念投入了自然生活的纯直觉观察；他根本不买各种理论学说的帐，而是发展出自己的一套绘画方法。
莫奈一生对造型漠不关心，他关心的是正确的层次关系。正是因为莫奈对造型格格不入，所以他能够轻而易举地表现出他所确实看见的事物，但也正因为此，他却表现不出事物的幻觉真实感。
莫奈不只满足于能够画他所看到的事物和按照他所看见的那种方式来做画；他想要创造一种独特的效果，达到一种在绘画上似乎是不可能达到的目的。他喜欢所有使人眼花缭乱的东西，他描绘的河水、天空、房屋和树木都洋溢着非同寻常的生命感。他的内心满怀着难以遏止的激动；从他的观念看他是一个现实主义者，然而从他本性看，他却是一个幻想家。
1864年，莫奈完成了“翁费勒的塞纳河口”，此画是1865年的官方沙龙上展出，并受到了热烈的欢迎，当评论家评论此画时说：“用调子所组成的和谐色彩……颇能吸引观众们的大胆感觉”。这表现出官方对人们很喜欢这幅画是完全可以理解的。油画表现了丰富的中间调子和那种暗淡、沉着的色阶。向深处展开的空间，通过河岸线而处理得十分成功按照传统，河岸线标志着中景和远景。在这幅画上，出于莫奈自己的东西，就是表现在前景水的笔触和云的笔触上的“颇能吸引观众的大胆感觉”；这些笔触加强了画面的传统效果。
在1866年，莫奈用了几天功夫完成并展出了他未来夫人的肖像“穿绿衣的女士——卡美伊”。这幅肖像引起了争论，但总的说来是成功的；有人甚至把它同马奈的肖像画相媲美。这幅肖像充分显示出了莫奈的个性：他对造型的淡漠态度，以及这个女人的动势和她的裙子上颤动的光都赋予整幅画特殊的说服力；由此而产生了一种动力感和生动性。
同年，莫奈展出了“圣日尔曼·俄塞罗瓦教堂”一画，这幅画对于他未来风格的发展具有更大的意义。油画是他从罗浮宫的一个阳台上画的，这幅画是要表现树叶上的反光。并排的笔触生动地表现了空气的振动，依靠这些笔触的结合而取得了绿黄色的光和绿黑色的影的生动效果。这里的用笔方法已经省印象主义①的了，但色彩还不够透明，甚至蓝色的阴影也还是浑浊的；它们画得就像是黑色。教堂和房子在颤动的树叶相比之下显得过于密集了。画中没有整体的形象，但树叶的画法却给我们透露出一点莫奈的色彩理想来
“穿绿衣的女士——卡美伊”是在画室里完成的人物画；“圣日尔曼·俄塞罗瓦教堂”是在外光下画成的风景画。“花园中的女人”一画把这两种观察方法结合起来了。这里的画面基本上是根据一幅照片安排的，这说明莫奈并不介意使构图服从了自然景物的偶然性。照片本来也该使莫奈想到空间的深远效果的，然而，莫奈对此也并未介意。使他感兴趣的仅仅是平面和色彩对比而已。正因为这幅画的人物没有立体感和起伏，色彩才能在这里大放其光彩和充分显示其多样性。妇女衣裙上的花饰，草坪上的鲜花，突出在大片浓绿之中的叶子，从树叶的空隙之间透露出来的天空，穿透阴影的光线，这一切造成了一幅色彩妍丽的镶嵌画的效果。但这幅油画缺乏色调效果：光线和阴影落在了人物所占据的同一个平面上，因此，光线不能渗透人体，不能成为形的实体。大片固有色起了过多的作用。所有这些合在一起，与其说是真实表现了所见的事物，不如说是一种公式，但这种公式正是一个空前大胆的纲领。这一纲领的公式化一旦消失，光线便将渗入中间调子，生命也将渗透每一个笔触，而整体的统一也就将要形成，那时，艺术就会变得花团锦簇，印象主义就要完全成熟了。
印象·日出和印象主义的诞生
1872年，莫奈创作了扬名于世的 “印象·日出”。这幅油画描绘的是透过薄雾观望阿佛尔港口日出的景象。直接戳点的绘画笔触描绘出晨雾中不清晰的背景，多种色彩赋予了水面无限的光辉，并非准确地描画使那些小船依稀可见。真实地描绘了法国海港城市日出时的光与色给予画家的视觉印象。由于它突破了传统画法的束缚，有位批评家就借用词画的标题，嘲讽以莫奈位代表的一批要求革新创造的青年画家位“印象主义”，这一画派以此得名。这幅画在1874年3月25日开幕的印象派画家第1次联合展览会上展出，这幅作品是莫奈画作中最具典型的一幅。
为历史铭记
莫奈在视觉观察方面无疑是一个富有创造性的天才。他善于从光与色的相互关系中发现前人从未发现的某种现象。他把全部注意力都集中在光与色上，从而找到了最适于表达光与色的明度差别变化的形式，他把这种光色明度差别变化从绘画的各种其它因素中抽象出来，把它提到了不可攀登的高度。莫奈的视觉观察是天才的、创造性的、非凡的，可是在这种观察的背后又是什么呢？他所看见的东西同他所感觉和他所想象的东西之间关系又是如何的呢？
莫奈在1874-78年间在阿尔让特依所画的一些画可以回答这些问题。如创作于1872年的“阿尔让特依的帆船”。在这幅图里中间调子代替了色彩对比，但不是借了色彩的混合，而是通过形成一种光的综合作用的色彩分解或组合。黑色已不再出现于画家的调色板，剩下的只是造成明与暗的光谱色彩，它们形成了形的实体。统一的色彩风格很自然地遍及整个画面：远景和近景，物体、水和天空，把这一切改造成为一种美妙动人的景象，而浑然一片、不分层次的空间透视，则把这远景和近景联成一个整体。紫色和黄色的调子同河水和天空的蔚蓝色交织在一起，这些颜色的调子差别把这些自然现象区分得清清楚楚，而且平静如镜的河面，仿佛就成了天穹的基础。几何学的透视已被忘却；它已让空气的不断运动代替了。每一种颜色单独看来十分柔和，它们的整体却又是强烈的；出现在我们面前的是天边焰火弥漫，白昼即将消逝的图景，一条大帆船静静地停在一片灰色的半阴影之中。这是一个幻想家的直观，在这烟雾缭绕、夕阳西下、一片忧郁的气氛之中，莫奈仿佛就是那光的生命，直接参与着它的逐渐熄灭。这是莫奈创作中的丰收时期，是他创作了色彩的传奇。
圣拉查尔火车站
绘于1877年的“圣拉查尔火车站”是一幅表现巴黎火车站的画，这是一个日常生活场面的实际“印象”。莫奈神往于光线穿过玻璃顶棚射向蒸气烟云的效果，神往于从混沌之中显现出来的机车和车厢的形状。莫奈相信光线和空气的神奇效果是最为重要的，他巧妙的平衡了画面的调子和色彩，这幅画出色的表现了力量、空间、对比和运动。
1883年莫奈过日维尔尼定居，他在那里建造了一座小花园，以便在那里画画；他在池溏里种了许多莲花，这使他发现了实现他纲领的主题：画一些坚硬的形体、水和空气，尽量使它们融合在一起。这便产生的组画“睡莲”，“仙女池，玫瑰色的和谐”就是这组画其中之一。这幅画反映了莫奈一种物我两融的愿望，但它没有一点悲怆的情调。
每一个研究莫奈创作活动发展的人都会发现，如果说最初的命运促成了莫奈的发展趋势，那么后来就是他自己创造了他的命运。之所以莫奈成为“印象主义”风格奠基人、被他的朋友公认为“班首”，是因为莫奈不可动摇的坚强意志。从所周知，印象主义意味着感觉和观察方式的变革，它不仅改变了绘画，而且改变了雕塑、音乐、文学，就是到了今天，它也没有失去影响力，仍然改变着我们。
代表作
《日出·印象》
《阿尔让特伊大桥》
《阿尔让特伊的帆船》
《卢昂大教堂》
《睡莲》
世界上著名的音乐家有哪些，及他们的作品有哪些？
1、沃尔夫冈·阿玛多伊斯·莫扎特沃尔夫冈·阿玛多伊斯·莫扎特（英语：Wolfgang Amadeus Mozart，1756年1月27日－1791年12月5日），出生于神圣罗马帝国时期的萨尔兹堡，欧洲古典主义音乐作曲家。《单簧管协奏曲》、《双簧管协奏曲》、《低音管协奏曲》、《第一圆号协奏曲》、《第二圆号协奏曲》2、路德维希·凡·贝多芬路德维希·凡·贝多芬 （Ludwig van Beethoven， 1770年12月16日—1827年3月26日），出生于德国波恩，维也纳古典乐派代表人物之一，欧洲古典主义时期作曲家。《降E大调第三交响曲》、《c小调第五交响曲》、《d小调第九交响曲》、《升c小调第十四钢琴奏鸣曲》3、约翰·塞巴斯蒂安·巴赫约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（Johann Sebastian Bach，1685年3月21日－1750年7月28日），巴洛克时期的德国作曲家，杰出的管风琴、小提琴、大键琴演奏家，被普遍认为是音乐史上最重要的作曲家之一，并被尊称为“西方近代音乐之父”，也是西方文化史上最重要的人物之一。《勃兰登堡协奏曲》、《马太受难曲》、《b小调弥撒曲》、《平均律钢琴曲集》4、弗里德里克·弗朗索瓦·肖邦弗里德里克·弗朗索瓦·肖邦（F.F.Chopin，1810年—1849年），19世纪波兰作曲家、钢琴家。《降E大调辉煌大圆舞曲》、《降E大调夜曲》、《c小调革命练习曲》、《波洛涅兹舞曲：军队》5、弗朗茨·李斯特弗朗茨·李斯特（Franz Liszt，1811年10月22日—1886年7月31日），出生于匈牙利雷汀，匈牙利著名作曲家、钢琴家、指挥家，伟大的浪漫主义大师，是浪漫主义前期最杰出的代表人物之一。交响曲《浮士德》、《但丁》，钢琴曲《十九首匈牙利狂想曲》
软笔书法作品用纸的规格、尺寸
书法的形制：即规格，形式有斗方、条幅、横幅、中堂、扇面等。1、斗方：是国画界的常用术语，一张正方形的画幅就是斗方，最常见的是69*69cm（2市尺见方）的尺幅，它的幅面大小就是4平尺，这种尺幅是用一张四尺整宣（2市尺宽、4市尺长）沿长度方向对开而成的。一尺见方的小斗方，又称为“小品”。2、条幅：尺寸一般为一张整宣纸对裁。3、横幅：横幅没有固定尺寸，根据悬挂位置、现场情况与横幅内容自行调整制作。4、中堂：用六尺的即可。5、扇面：扇面的尺寸一般按一平尺半计算，成扇以两平尺计算，团扇按直径大小计算。（1） 小品 33*33cm 1平方尺。（2）小品 45*33cm 1.4平方尺。扩展资料：文房四宝：1、毛笔毛笔的笔杆一般用竹管制，讲究些的用斑竹管制，也有用犀牛角、象牙或金银制的，那就是工艺美术品了。笔头所用兽毫分为柔（软）健（硬）两类，柔毫主要是山羊毛所制；健毫则用兔脊毛和黄鼠狼尾毛等制成，柔毫和健毫杂在一起称为兼毫。笔头制作是中间一簇长毫称为锋，即笔尖；四周包着稍短的毫称为副毫。好的毛笔具有尖、齐、圆、健四大优点。产毛笔的地区，唐代至宋代，以安徽宣州最出名，所产紫毫（老紫兔毫）笔，为无上佳品，其价如金。2、墨墨的出现很早，《述在书法纂》上说：西周邢夷始制墨，说是煤烟所成，却是西汉以后的事。其原料不同，可分为油烟墨、漆烟墨、松烟墨，分别以桐油、生漆、松枝所烧的烟炱，加黄明胶和麝香、冰片等制成。南北朝时易州的墨和剡县的纸很有名。3、纸纸是我国古代四大发明之一，西汉墓出土的文物中已出现了麻制的纸，但很粗糙。自汉以来，现留存于世的书画，均以桑皮纸（又称汉皮纸）书画，东汉蔡伦采用多种原料和改进制纸方法，使纸的质量和产量都大为提高。由于纸的广泛使用，晋安帝才下令废除了自古沿用下来的竹木简，把历史推进到全面用纸的时代。唐代的造纸业非常发达，宣州出宣纸，江西临川出薄滑纸，扬州出六合笺，广州出竹笺等，都是上等品。4、砚砚，在西汉时期即已使用，湖北荆州凤凰山西汉墓出土了砚，我国传统有四大砚，即端砚、歙砚、洮砚、澄泥砚。参考资料：百度百科-书法百度百科-扇面百度百科-横幅百度百科-斗方
毛笔书法作品中的尺寸怎么算
毛笔书法作品中的字体尺寸没有规定，但是书法格式共有七种，分别为斗方、三开、对幅、中堂、条幅、对联、扇面。1、斗方中国书画的一种式样，呈正方形。通常用四尺宣纸对裁两份，二尺高二尺宽，也可把四尺宣纸裁为八份，称为“小品斗方”，或“斗方小品”。2、三开中国书画的一种式样。呈长方形，尺寸不等。如用四尺宣纸分三份裁开，称四尺三开。若用五尺宣纸分三份裁开，称五尺三开。以此类推，同是三开，尺寸大小不同，四尺三开一般为三尺画面(实际是二尺七寸，八平方市尺的三分之一)。五尺三开则是十二平方尺的三分之一，每开画面的面积为四尺。3、中堂中堂是竖行书写的长方形的作品。尺寸一般为一张整宣纸（分四尺、五尺、六尺、八尺等，其中小中堂为68CM×45CM）。因为尺幅比较大，所以需要创作者具有精熟的技法和整体把握作品布局的能力。4、条幅条幅是竖行书写的长条作品。尺寸一般为一张整宣纸对裁。安排章法时，应能根据书体的特点，精心构思，立意要新。在创作时，要注意正文与落款的主次关系。落款要错落有致，自然生动。5、对幅中国书画装裱的一种式样。通常两幅成对悬挂。如书法对幅，称“字对”或“对联”。明清绘画有“画对”，是两幅大小相等的屏条，成对悬挂。也有厅堂正中挂中堂立轴画，两边分挂“字对”，或中间悬挂中常立轴书法，两侧悬挂“画对”。6、对联对联，又称楹联。分为上下两联，右边的为上联，左边的为下联。上下联的尺寸可与条幅等同，也可大于或小于条幅。对联的书写内容规定极为严格，只能是对仗的句子（上下联字数相等，平仄相对、一般字不重复出现），包括对偶句（俗称对子）、律诗中的中间两联（颔联、颈联）。7、扇面这里专指折扇扇面，它是一种特殊的形式。由于扇面上宽下窄的形状，使得折纹与拆纹之间也是上宽下窄。这种独特的样式，就要求我们在创作时，做出恰当地安排。扩展资料：一般来讲，书法作品由正文和款识构成。正文有三种外观形式：1、纵有行，横有列；2、纵有列，横无行或纵无列，横有行；3、纵无行，横无列。款识中，字体小于正文字体，书体可与正文保持一致或有区别，风格与正文协调。从微观讲，书法应讲究字的线条、结构与整幅作品的章法和情感。书法作品分软笔和硬笔，即毛笔和钢笔等，还分“体”，如楷书、隶书、行书、草书、篆书等。参考资料来源：百度百科--书法作品格式
108个字的诗词（不加标点）
薄幸宋·贺铸淡妆多态，更滴滴①，频回眄睐②。便认得、琴心③先许，与绾④合欢双带⑤。记画堂⑥、风月⑦逢迎。轻颦浅笑娇无奈。向睡鸭⑧炉边，翔鸳屏⑨里，羞把香罗⑩偷解。 自过了、烧灯后，都不见踏青挑菜。几回凭双燕，丁宁深意，往来却恨重帘碍。约何时再？正春浓酒困，人闲昼永无聊赖。恹恹睡起，犹有花梢日在。【注解】①滴滴：形容眼波流动不时注视的样子。②眄睐(miànlài)：顾盼，斜望。③琴心：即以琴传情，典自司马相如以琴挑动卓文君。④绾(wǎn)：旋绕打结。⑤合欢双带：用绣带结成双结，以示欢爱。⑥画堂：画栋雕梁的厅堂。⑦风月：指清风明月，美好景色。⑧睡鸭：古代一种香炉的名称。其形如偃卧的鸭子。⑨翔鸳屏：画着鸳鸯双飞的屏风。⑩香罗：女子随身携带的手帕，这里指女子定情之物。烧灯：指元宵节。踏青：古代节日一种风习。大约指清明节的风习。
108字散文钢笔字
今天早上，放假在家的女儿，跟我要钢笔，说是老师给留的书法作业，这学期要用钢笔写了。听了女儿的话，我才想起来，女儿马上要读三年级了。一般的小学，都是从三年级开始学写钢笔字的。忙去书房，把早已给女儿准备好的钢笔拿给她。
由于生来有怀旧情结，所以上次去北京，在外文书店，依然给女儿买了自己上学时曾最为流行的“英雄”牌钢笔。准备给女儿上三年级的时候用。拿着烫金的“英雄”钢笔，看着女儿高兴的样子。我的心情，也仿佛像当年自己，初刚拿钢笔，学写钢笔字时一样开心、快乐！
教给女儿写钢笔字的正确姿势和写作要点后。我便回到了书房，打开那只——老公特地请人做的红油檀木大箱子。箱子里面收藏着：自己从上小学开始，一直到大学毕业前，所有的课堂笔记和读书笔记。每当闲暇下来的时候，或是心情不好的时候，我都要打开这只箱子。让自己在回忆中重温往事，让如风的往事，把自己现实生活中的，种种不愉快都冲淡、飘散，直至释怀！
翻开一本本的笔记，看着自己的钢笔字，由最初的工工整整、方方正正，到后来的浑然成体。那是经历了从小学到大学十几年的岁月洗礼呀！记得上初中的时候，一直流传至今的庞中华的钢笔字贴，当时风糜华夏。新华书店的柜台里到处摆放着，庞中华的钢笔字临摹字贴。记得当时：我住校，为了能够拥有一本喜爱的《庞中华诗词钢笔字贴》，毫不悯吝的从少得可怜的生活费中，挤出1元钱买了一本。每天，利用中午午休的时间，练习庞体书法字。从最初的楷体，到行书，到草书，一个字一个字，一行一行，一篇一篇，一丝不苟的认真练习。最有收获得还是：在练习书法的过程中，熟读了一篇篇脍炙人口的唐诗宋词。想必自己爱好文字的习惯，也就是从那个时候养成的吧！回想当时，看着自己写的娟秀，清新的钢笔字，被老师当作范文，在全班同学中讲评。那时，一颗小小的虚荣心，是多么的容易满足呀！若是放到现在，一定会从内心中，讥笑自己的肤浅和无知！
听着悠扬的轻音乐，翻看着一页页，昔日泛黄的——曾记录自己学习和人生经历的钢笔字！真的是别有一翻滋味涌上心头！
时光荏苒，岁月如梭！转眼间，自己业已由当初那个——天真烂漫，不知天多高，海多远的？怀揣着：“只要努力，人定能胜天的”信念。在周恩来——“为中华之崛起而读书”的座右铭的激励下！在雷锋“全心全意为人民服务精神”的鼓舞下，走过自己的小学阶段，踏入了中学时代，转而又迈入了“商品经济”和“市场经济”相互转型的大学时代。
往事中，那个戴着蝴蝶花“为赋新词强说愁”的小女孩——今天已变成：又一个生长在幸福年代中，“不知愁为何滋味”天真小女孩的母亲。这其间，所走过的青春涩涩岁月，所经历人生的种种苦与乐，只有自己深深知道。
那些，经过时空的碾压，仍丝毫不肯褪色的记忆。时常，伴随着静夜里，如水的月光，轻轻的向自己袭来，荡涤着自己内心深处的尘埃。让自己，在浮燥的、喧嚣的名利社会中，能用正确的眼光审视自己！让自己，在略微有些迷失的时候，再找到来时的路！让自己，不被都市中闪烁的霓虹灯，迷惑了双眼！让自己，不被各种物质利益沾染了双手！让自己，在尔虞我诈的功利社会中，还能保持一颗平静淡定的心，从容过好——自认为踏实而有意义的每一天！
面对着，各种圆珠笔、碳素笔，电脑键盘冲斥着我们身边的便利社会。我们当中的，绝大多数人——为了怕麻烦，都不愿意，再用吸水的钢笔了。更何况写钢笔字乎？但，在我的心中仍深深，有着一种留恋钢笔；更有着，一种对钢笔字“情有独衷”的怀旧情结。想必这情结，会伴随着自己走完人生的全过程，直至暮年老矣！
