中国画和中国书法，哪个更能代表中国传统文化
中国画发展历史悠久，内容丰富，博大精深，对中国的绘画发展产生重大影响，当你学习中国画的时候，你好像有一种身临其境之感，学习中国画可以净化人的心灵，在喧嚣的世界里，有时为了远离残酷的竞争和摆脱无穷无尽的压力，我们急需一种慰藉心灵的灵药，就我而言，欣赏中国画是一种很有效的方式。中国画是画在绢，帛，宣纸上并加以装裱的卷轴画，它按题材可分为人物画山水画，和花鸟画；按技法可分为工笔画和写意画，它在一定程度上体现了人对自然，社会，和艺术的认识与理解。中国画在观察认识、形象塑造和表现手法上，体现了中华民族传统的哲学观念和审美观，在观察认识中，采取以大观小、小见大的方法，并在活动中去观察和认识客观事物，甚至可以直接参与到事物中去，而不是做局外观，或局限在某个固定点上。它渗透着人们的社会意识，从而使绘画具有“千载寂寥，披图可鉴”的认识作用，又起到“恶以诫世，善以示后”的教育作用。即使山水、花鸟等纯自然的客观物象，在观察、认识和表现中，也自觉地与人的社会意识和审美情。趣相联系，借景抒情，托物言志，体现了中国人“天人合一”的观念。宋人著名诗人、画家苏轼在评价王维的诗时提出的“诗中有画，画中有诗”的论点最为有名，成为中国画鉴赏品评中最常使用的词汇。郭熙曾说：“更如前人言：‘诗是无形画，画是有形诗。’”（《林泉高致・画意》）可见最早的提法应还在郭熙之前。元杨维桢在《元声诗意序》中说：“盖诗得心声，画者心画，二者同体也。纳山川草木之秀描写于有声者，非画乎？览山川草木之秀叙述于无声者，非诗乎？故能诗者必画，而能画者多知诗。由其道无二致也。”清人叶燮有这样的概论：“故画者，天地无声之诗；诗者，天地无声之画。”诗与画结合对于时空界限的突破不仅表现在画面上静与动、有声与无声和时间的变化过程等矛盾的突破上，有时还可以获得意境“立体化”的实现。言志抒情是艺术作品的共同特征，诗歌在这方面更是源远流长，同样绘画也是画家表达思想感情的一种方式。元代汤��《画论》说：“古人作画，皆有深意，运思落笔，莫不各有其主。”南宋著名画家郑思肖所画的《墨兰图》，正是怀着“泪泉和墨写离骚”的心情吟诗作画，以寄托故国之思。一、诗中有画从史料上来推断，诗歌与绘画之间的关系，在唐代还几乎未见大加提倡。唐以前和唐代的画家或理论家都相信，绘画的主要目的在于“再现”，当然，仅仅具备了外面的形似是不够的，真正的艺术家所关注的是如何在自己的绘画中反映事物的真实性。王渔洋《池北偶谈》卷十八中有这样一段话：世谓王右丞画雪里芭蕉，其诗亦然。如“九江枫树几回青，一片扬州五湖白”，下面连用“兰陵镇”、“富春郭”、“石头城”诸地名，皆辽远不相属。大抵古人诗画只取兴会神到。在王维的诗句中，一字一句都含着一片禅机，人们读他的诗也会在他的感染下，放下争逐之心、功利之念、贪欲之情，深情的冷眼将朗照出觉悟。开悟是真理的显现、存在的澄明，觉悟进入了本真的生活，本真的生活也进入了亮光朗照的觉悟之境。而若隐若现、似有似无的诗意，在诵读时感受到的微妙风味，是后人在王维诗中一直追寻的东西。王维的诗既不舍弃审美上的感性客体，又不拘滞于其中，这是一种超脱的精神主义态度。任何一位研究者都可以自然地将王维的画风与他的诗风想象在一起。也就是说，在王维的绘画艺术中，有一种异常明显的“诗化”倾向。而绘画的诗化表现在艺术形式之中，则成为一种诗的追求、一种诗性，使人的意向转入人心灵空间的最为内在的不可见上去，从而，诗意的世界也向吾人敞开他的秘密。王维虽然没有可靠地画迹留下来，但是他的诗篇文章却是历历在目。而且从某个角度来说，文人对王维在艺术方面的推崇，主要是源自于他所创作的诗歌中的情趣。苏轼在一则题跋中非常明确地肯定了这个问题：“味摩诘之诗，诗中有画；观摩诘之画，画中有诗。诗曰：‘兰溪白石出，玉川红叶稀。山路元无雨，空翠湿人衣。’此摩诘之诗。或曰非也，好事者以补摩诘之遗。”二、画中有诗中国绘画主要表现以王维为代表的那种简约玄远的诗意一路，从宋代就已开始，而艺术精神和艺术语言的变革也从此开始――这种变革，就像王维在晚年的生活环境里，深刻体会到人与大自然的关系，体会到艺术和禅心的三昧境，体会到微妙至深的艺术境界――精炼而不雕饰，明净、自然、圆浑，重在神韵或意境象征。于是画风亦同此诗风一样，由崇尚“风骨”、“气象”变为崇尚“韵味”与“兴趣”，艺评家们所推崇的画风也由北宋的范宽、李成、郭熙，南宋的马远、夏圭等质实雄伟转为由董源、巨然、元四家的柔婉散淡，并在此之后几乎成为绘画艺术之中的最高境界。苏轼在《书鄢陵王主薄所画折纸二首》中说道：“论画以形似，见与儿童邻，赋诗必此诗，定非知诗人。诗画本一律，天工与清新；边鸾雀写生，赵昌花传神。何如此两幅，疏澹含精匀；谁言一点红，解寄无边春。”他十分明确地指出绘画中艺术形象的创造并非以刻意模仿的“似”为标准，而以“生”和“神”作为标准，因为只有“生”和“神”的艺术形象才能获得“解寄无边春”的艺术境界。欧阳修也有过类似的言论：“古画画意不画形，梅诗咏物无隐情。忘形得意知者寡，不若见诗如见画。”（《欧阳文忠公文集・盘车图》）“神会”和“意会”是中国画家创造高境界的要求，但“神”和“意”的获得不是依靠艺术形象的所谓“真实”，而是要求画家在对物象深刻认识的基础上以自然的流露为妙，只有达到“心忘方入妙，意到不穷工，点拂横斜处，天机在此中”（恽南田《南田画跋》）的境界，艺术形象的创造才会信手拈来，出神入化；艺术形象虽不似，但却能创造出形外之形，画外之情，画外之神。《画继》记苏东坡有曰：“先生自题郭祥正壁，亦云：‘枯肠得酒芒角出，肺肝槎牙生竹石。森然欲作不可留，写向君家雪色壁。’则知先生平日非乘酣以发真兴，则不为也。”从苏轼的例子可以看出，文人介入绘画之后，是绘画的功能与意义发生了极大的变化，对于他们来说，艺术的目的是为了是人的精神获得解放和超越，也是面向超越的精神走向自由、解放与沉醉。又如《溪山卧游录》中的话：只写其诗境之超，画在不言之表。这也许就是在中国艺术中，诗与画境之不可解的姻缘了。画对诗的棘手，其基本前提是诗画有别。文人对此多有论述，主要认为：诗言情，画状物；诗侧重内在心意，画侧重外在物象。从媒介上看，画用颜色和线条平列在空间中，而诗用语言沿直线的时间先后发展；从题材上看，画描绘空间中静止的物体，而诗描写时间中流动的动作；从感官上看，画侧重视觉，适宜摄入空间中并列的许多物体，而诗用听觉，适宜演示事物先后顺序的发展。文人参与绘画，正是按照诗歌的成熟状态来解释、创作绘画，并提升绘画到诗的境界。于是，当苏轼开始提倡“画中有诗”时，他正立足于时代的交叉点：继承诗歌传统与宋代发展的审美趣味的交叉。这必然影响苏轼对前代传统的选择，因此他提出的“画中有诗”是特定情趣的诗，自然导致特定情趣的画。三、结语诗画联姻并能有机地统一于一副作品中，两者之间起到互补和生发的作用，创作出新的意境。这是中国艺术家的创造，是中国画独具特色的地方，也是中国画不朽的原因之一。中国源远流长的传统文化——中国画作为华夏儿女，中国传统文化我们要发扬光大，传承下去。如果您也喜欢中国传统文化，中国文化，请订阅我。
论述中国画和中国书法的基本语言体系及其关系？
略谈书法和绘画的关系—书画同源
“书画同源”是中国画的一个核心理论，对它的共识是：中国画的“画法”就是“书法”，优秀的中国画家必须同时还是一位优秀的书法家，所以，中国画的基础是书法。这可以从宋代以来所证实，最优秀的画家基本上都是最优秀的画家，而普通的画家基本上都不擅长书法。随着电脑时代、无纸化办公的来临，人们用笔写字的机会越来越少，代替的更多是整齐划一、字体相同的打印机产物。因此，写得整齐有力的人越来越少导致当代大多数画家的笔墨衰退了许多。只好用一些特殊技法来盖住笔墨不足的弱点。如运用捞水纹、加洗洁精、加矾加胶等等。几乎把能增强画面冲击力的一切手段几乎想到就做了。在这种情况下，中国画展览几乎是工笔大画一统天下，写意画明显减少，其中占绝大多数的是无款和穷款。可见书法在当代国画中的关系，退到无关紧要的地步，甚至可以忽略不计。
中国画通过书法艺术练习基本功，并从中吸取营养，中国画与书法共同发展中，一直有互为增益附丽之功，加上中国画以线为主的骨法用笔，就又有“工画者多善书”之说。是符合中华民族审美传统的正常关系。美学家李泽厚说：“不懂书法，就不可能懂中国艺术。”黄宾虹说：“画之法不在位置而重在笔”。由此可见中国画与书法的骨肉关系，不研究习好书法，也很难领会中国画的用笔。元代书画家赵子昂有一首专门体会书画互补的诗：“石如飞白木如籀，写竹还应八法通，若也有人能会此，须知书画本来同。”即指以书法入画。沈石田爱用篆法，赵之谦用隶法，吴昌硕用石鼓文，徐渭用草书，可谓是善于贯通书画于一炉者。
当我们在分析书画艺术区别的时候，还应该看到书画和绘画在各自的发展过程中又是内在联系的。只有在掌握书法、绘画的基本技能，熟悉各自规律的基础上，才能很好地相互借鉴和吸收。一是书法和中国画都离不开毛笔、墨、砚和宣纸这文房四宝，渗透性很好的宣纸，弹力性好的毛笔，深浅浓淡的墨色都是达到艺术效果的必要手段。二是中国画和书法都讲究线的表现力，书法中的行气连势，体现线条美；国画中的白描勾勒是线条，皴擦点簇也是线条，构成了书画所追求的意象、气韵、意境等魂质。三是书法和中国画有一个共同特点是神似形不似，第一标准是气韵生动、疏密聚散、计白当黑、传情达意。这些标准同样于适用于书法和中国画。四是书法和中国画的笔墨运笔技巧是相同，中锋与侧锋、藏锋与露锋、顺锋与逆锋、转折提、拖笔与战笔，这些是数千年积累演进的技巧经验，形成书画的根本。古今对书画兼通的，历代不乏其人，如宋代的苏东坡、元代的柯仲平、明代的文征明、清代的郑板桥等人。他们各有精深之论见，如元代王蒙的皴法中，常常杂以篆隶奇字；赵之谦“以篆隶书法画松”；郑板桥“要知画法通书法。兰竹如同草隶然”；石涛“古人以八法合六法，而成画法，故余之用笔勾勒，如篆、如草、如隶等法”。都可说明他们在不同程度上，汲取了书法中的养分，使绘画笔法为之一新。因此中国画得以区别于西方绘画，在世界画坛上独一无二。
上世纪八十年代改革开放，中国教育制度似乎逐渐西化，同时应试教育又起了主导作用，中小学校的课程表中，“写字课”却难得一见，甚至彻底消失。反观日本，尽管日本的西化程度比中国严重许多，但是对继承传统文化方面比中国强。在日本，中小学普遍开设书法课。日本人在正规、庄重的场合下，以用毛笔签字为有修养的表现。国内许多青少年（包括一些年轻的教师）写得一塌糊涂，简直就是惨不忍睹。在这种环境下，美术院校有许多中国画系学生连毛笔的基本技巧都掌握得不够正确。众所周知的是书法和诗歌对中国画发展中起着主导作用的，没有书法的用笔就没有中国画的笔墨，没有诗歌的内涵就没有文人画的独特审美观念。诗书画印一体往常成为历代画家所极力追求的。由于缺乏传统文化的滋养，不少年青画家的作品画面平淡无奇，格调不高。李可染说许多年青画家在某些方面超越过前辈，但是笔墨和书法上，还远远赶不上前辈。因笔墨欠缺导致画面软弱，严重降低中国画的特色。他主张年青画家要重视书法因素在自己的创作中的重要性，又强调指出年青书法家们能够将中国画笔墨线条的审美概念融通到自己的创作中去。在两方创作中都能体现“书画同源”的核心精神。从而具备相应的书法基础，再次发展中国画的笔墨，就能获得事半功倍的效果。
借助书法用笔的特点，通过经常性的书法练习，来加强对毛笔性能的把握，进而在书法训练中体验中国画中“骨法用笔”。“骨法用笔”是谢赫画论中的“六法”之一，在中国书画中都占有关键地位。骨法用笔是书画的根本。“人之学画，无异学书”。善画者必善书，不然很难掌握笔墨真谛。据笔者了解不少老画家坚持天天练字。即使时间繁忙，仍然练字。还有一些中年画家在中国画方面取得一定造诣以后，进行书法的锻炼，作为提高中国画艺术的重要手段，在某种意义上说，多少有点“补课”的性质。青年画家大多数书法功力欠缺，追求画面秀丽时，往往失之甜俗；追求画面遒劲时，又往往失之霸悍。以中国山水画为例，山水画的用笔远比书法用笔复杂，因为，山水画所面对的表现对象较之书法的表现主体--文字来说，既困难又复杂，对中国画的笔墨评论不宜全盘照搬书法的评论标准。并且，山水画也在随着社会审美观念的变革而不断发展。因而，这种要求使得中国画的笔法必定面对新的挑战。书法和中国画就象两株深植于传统文化土壤中的连理树，枝干相通，环抱相生，生生不息。经过数千年的文化沉淀，在中国古代哲学基础、审美意识方面形成一套完美的体系。如没有弄清书画本源，一味追求创新，容易失去书法和中国画的本质。书画的“笔墨”语言是品种“基因”。笔墨在独特的宣纸上造成的美感是任何绘画媒介不具备而代替不了的。传统的“笔墨”形式是古人实现理想境界的重要媒介和手段，能获得人与人之间、人与自然之间的和谐的心灵世界。又得到精神的寄托与审美的满足。同时通过笔墨表现的历史发展规律中揣摩传统文化的内核，这样一来可以寻找融合其它艺术，发展创新的契合点。进而言之，强调“正本清源”，是不丢掉传统文化的主体内涵，也不丢掉传统书画的优秀经验。所以中国画选择笔墨语言，笔墨语言规定了线的造型方式。发展到现在，“笔墨”已经成为了许多立志改革传统书画者关注的焦点。 “笔墨”作为一种语言工具是不会过时的，相反它会帮助我们找到新的绘画语言。总而言之，中国书画这艺术体系不断发展，其笔墨概念也跟着时代观念的更新而拓展其内涵，向着既是“中国基因”的，又是“现代”的方向发展，更显现出它的独特传统艺术特征和美学价值。
总之纵观中国书法和中国的发展史，中国画和书法不仅有着共同的起源!用笔技巧和基本思维方面有许多惊人的类似，而且在艺术意境的追求和审美要求上也有诸多相通之处。由此可见书画已是你中有我，我中有你，书画融合成不可分割的整体。要写好书法，应以多练为基础。要将书法线条灵活自如地用于中国画中，是一个过渡到融合的过程，需要反复地实践与探索，长期磨练才能取得一定成绩。许多优秀画家画风的形成就得力于其书法功底。
希望能对你有所帮助
美术史名词解释
巴洛克：17、18世纪意大利艺术的主要代表，巴洛克风格突破了文艺复兴以来艺术的理性、均称、静止、典雅的风格。巴洛克艺术主要以建筑为主，其特点是追求复杂多变，配以大量雕塑和装饰效果。代表人物：贝尔尼尼“大卫像”绘画和雕塑上的特点是在作品中强调激情、运动感和戏剧性，追求光线和色彩的表现，广泛采用曲线、弧线，偏爱复杂多变的构图等。代表人物：鲁本斯“劫夺吕西普的女儿”
洛可可：18世纪法国艺术的代表，反映了封建贵族的享乐主义。洛可可一种高度技巧性的装饰艺术，表现为纤巧华丽、繁琐和精美、多采用“S”形和螺旋型曲线。追求视觉快感和舒适实用。代表人物：华多“出发去西台岛（舟发西台岛）” 布歇“裸女”“沐浴的狄娜” 弗拉戈拉尔“秋千”
文艺复兴时期美术三杰：
拉斐尔：创造出盛期文艺复兴的典雅、优美、具有高度技巧。把现实美与理想么相统一，被后世奉为古典主义的楷模。代表作“大公圣母”“雅典学院”
列奥纳多.达.芬奇：盛期大师中第一位巨匠，著名的人文主义者，创立了明暗法、薄雾法，，在观察自然的前提下努力塑造理想化的人物形象，准确的再现自然、科学性、理想化是他创作的最高宗旨。代表作“蒙娜.丽莎” “最后的晚餐”“岩间圣母（标志绘画走向成熟）”
米开朗基罗.波纳罗提：伟大的雕塑家、画家、建筑家、诗人
受当时流行的新柏拉图主义影响，认为灵魂与肉体相对立，所以他创作的雕塑在平静的动态中，赋予人的内心一紧张和骚动，他的血多作品带有悲剧色彩。他崇拜男人体，以男人体表现完美和力量、激情、英雄气概，因而他塑造的女人体往往也具有这种男人体的宏伟气魄。代表作“圣母哀悼基督” “大卫像”等，“最后的审判（祭坛画）”
是个人整理的，仅供参考~~
中国美术史（名词解释）
《洛神赋图》卷，晋， 顾恺之 (宋摹)，绢本，设色，纵27.1cm，横572.8cm。 此图是根据三国(220--265年)魏人 曹植所写 《洛神赋》而创作的故事画。 画面开首描绘曹植在洛水河边与洛水女神瞬间相逢的情景，曹植步履趋前，远望龙鸿飞舞，一位“肩若削成，腰如约素”、“云髻峨峨，修眉联娟”的洛水女神飘飘而来，而又时隐时现，忽往忽来。 后段画洛神驾六龙云车离去，玉鸾、文鱼、鲸鲵等相伴左右，洛神回首张望，依依不舍，一种无奈离析之情显现画面《兰亭序》又名《兰亭宴集序图》、《兰亭集序图》、《兰亭流觞曲水图》、《兰亭集图》，东晋永和九年（353）三月三日，王羲之与谢安、孙绰、郗昙、魏滂辈，及王凝之、涣之、献之、立之等四十二人在山阴（今浙江绍兴）兰亭“修禊 ”时乘兴所书。吴代当风 中国画术语。是对吴道子人物画风格的概述。吴道子（约686-760）是盛唐最杰出的画家，在宗教画上成就突出。在用笔技法上，他创造了一种波折起伏、错落有致的“莼菜条”式的描法，加强了描摹对象的份量感和立体感，所画人物、衣袖、飘带，具有迎风起舞的动势，故有“吴带当风”之称。《步辇图》是唐朝画家阎立本的名作之一。公元640年（贞观十四年），吐蕃王松赞干布仰慕大唐文明，派使者禄东赞到长安通聘。《步辇图》所绘是禄东赞朝见唐太宗时的场景。现存画作被认为是宋朝摹本。存于北京故宫博物院。绢本，设色，纵38.5厘米，横129.6厘米。作品设色典雅绚丽，线条流畅圆劲，构图错落富有变化，为唐代绘画的代表性作品。具有珍贵的历史和艺术价值。被称为“中国十大传世名画”之一。唐周昉挥扇仕女图 这是一幅描写唐代宫廷妇女生活的佳作。全卷所画人物共计十三人，分为五个自然段落。引首清高宗弘历题“猗兰清画”四字。钤明韩世能 “韩世能印”、“韩仲子氏”、“世能”，清梁清标“蕉林书屋”、“蕉林居士”、“蕉林考藏”，清高宗弘历“古希天子”、“乾隆御览之宝”、“石渠宝笈”、“乾隆鉴赏”等鉴藏印，共31方。起首第一段为“挥扇”，凡四人：一位戴玉莲冠的妃子按纨扇慵坐，其右一女官紫袍束带，两手横扇，另有两女持梳洗用具侍立于左侧。第二段为“端琴”，凡两人：一拖髻者抱琴至，另一垂鬟女子在协同解囊抽琴。第三段为“临镜”，凡两人：一戴唐巾人持镜却立，一姬拥髻对镜，衣锦灿若。第四段为“围绣”，凡三人：其中一姬持团扇，倚绣床，支颐有倦态，两女对绣，第五段为“闲憩”，凡两人：一妃妆者背坐挥小纨扇，引颈远眺，另一姬倚桐凝伫，茫然出神。五个段落似离还合，从不同的侧面，刻画了人物在不同场景中的各种心理状态。在画中，作者通过对嫔妃的生活的描绘，表达出她们寂寞、沉闷、空虚、无聊、幽恨暗生的心情。画面结构井然，线条秀劲细丽，赋色柔丽多姿，艳而不俗。《昭陵六骏图》，金代赵霖所作，为绢本、设色，长27.4厘米，宽444.9厘米。此图依据唐太宗昭陵六骏石刻而绘，全卷分六段，每段画一马，旁有题赞。骏马的形态既忠于原作，又注意发挥绘画之长，通过遒劲的笔法和精微的设色，将马匹的毛色表现得更加真实自然，战骑驰骋疆场的雄姿也刻画得十分生动。无论是奔驰、腾跃，还是徐行、伫立，都能曲尽其态。《韩熙载夜宴图》是中国画史上的名作，原迹已失传，今版本为宋人临摹本以连环长卷的方式描摹了南唐巨宦韩熙载家开宴行乐的场景。韩熙载为避免南唐后主李煜的猜疑，以声色为韬晦之略，每每夜宴宏开，与宾客纵情嬉游。这幅长卷线条准确流畅，工细灵动，充满表现力。被称为“中国十大传世名画”之一。清明上河图，中国十大传世名画之一。为北宋风俗画，宽24.8厘米，长528厘米，绢本设色。该画卷是北宋画家张择端仅见的存世精品，属国宝级文物，现藏于北京故宫博物院。作品以长卷形式，采用散点透视构图法，生动记录了中国十二世纪城市生活的面貌，这在中国乃至世界绘画史上都是独一无二的。在五米多长的画卷里，共绘了五百五十多个各色人物，牛、马、骡、驴等牲畜五、六十匹，车、轿二十多辆，大小船只二十多艘。房屋、桥梁、城楼等各有特色，体现了宋代建筑的特征。具有很高的历史价值和艺术价值。
想考中央美术学院研究生 书法 篆刻专业 参考资料
需要大量的训练和全面的提抄高，如果楼主本身不是艺术生，自然需要付出更多的努力。可以到北京打听一下有没有相关的专业培训，毕竟有人指导总比一个人摸着石头过河强。
书法专业没有固定的教材，老师的教学也是以示范和引导为主，并没有固定的讲义，作为实践专业，练通常比看重要。而字帖和印谱如果一一列举的话实在太过拖沓，还是那句话，最好能知找个专业一些的老师指导。
考试内容有书法临摹和创作以及篆刻创作(文化课啥的就不用说了吧），至于具体内容和考试方式等等，学院肯定会公布的。道
据我所知，中央美术学院的书法系自成立以来从外校招收的研究生可能不超过五个，所以楼主你将面临一场硬仗。如果条件允许的话，多与美院内部的人员接触一下会有好处。
中央美术学院书法专业高考考什么
A、中央美术学院介绍 中央美术学院现有九个本科专业（绘画、中国画、书法、雕塑、艺术设计、美术学、建筑、摄影、动画），一个艺术学一级学科硕士授予点（覆盖八个二级学科），一个建筑学二级学科硕士授予点（建筑设计及其理论），一个艺术硕士（MFA）专业学位点，两个博士学位授予点（美术学、设计艺术学）；2003年获准建立艺术学博士后流动站。 B、中央美术学院艺术类报考要点学历层次：一本 艺术类一本学校级别：九大美院 31所独立性院校 教育部直属招生范围：全国录取规则：按文化成绩次序 按专业成绩次序 优先录取美考科目：素描 速写 色彩 创意设计 命题创作 创作草图 书法类 美术赏析 C、中央美术学院专业范围涵盖中国画、书法、油画、版画、雕塑、壁画、动画、平面设计、产品设计、时装设计、摄影艺术、数码媒体艺术、环境艺术设计、建筑学、美术史论、设计艺术史论、非物质文化遗产、艺术管理、设计管理、博物馆学、艺术考古、美术教育学等30多个方向。 中央美术学院现设有造型学院、中国画学院、设计学院、建筑学院、人文学院、城市设计学院六个专业学院，并设有继续教育学院和附属中等美术学校。 学院现有十个本科专业（绘画、中国画、书法、雕塑、艺术设计、美术学、建筑、摄影、动画、工业设计），三个一级学科博士学位学位授权点（艺术学理论、美术学、设计学）六个一级学科硕士学位授权点（建筑学、城乡规划学、风景园林学、艺术学理论、美术学、设计学）； D、中央美术学院书法专业招生考试简况： 2015年中央美术学院书法学（美术学类） 130405T计划招收 10 名 （文科）本科生，文化课提档线：400-500分（下图），艺术类专业考试主要三种： 书法临摹；书法创作；篆刻创作（工具自备）。 E、附：书法专业往年考题及优秀试卷（下图、系列）。
谁有中国美术史详细的复习资料。。。。。？？？
第一章 原始美术
（一）原始陶器艺术
1、陶器及陶器的装饰手段
早期：以实用为目的，简单粗劣、种类少，
第二个时期：既有实用价值又有作为艺术品存在的价值，采用了彩绘、纹饰等装饰手段
第三个时期：种类繁多，造型丰富，镂孔、印纹等手法的应用。
2、我国新石器时代出土陶器的著名文化遗址
仰韶文化（彩陶代表，公元前4100-前2500左右）、
马家窑（前3300-前1800，分石岭下、马家窑、半山、马厂四个类型）、半山类型陶器代表新石器彩陶艺术的最高水平
大汶口、龙山（素面陶突出代表），大汶口3大显著特点：1、色泽多样化，2、黑陶制作成熟，3、雕刻技术发达镂孔随之发展、纹饰多样。龙山文化使用了快轮制陶术。
河姆渡文化等。
3、新石器时代陶器的主要类型及风格特征
（风格上分黄河上游彩陶[仰韶、马家窑]、下游素面陶[大汶口、龙山]）
仰韶陶器：在彩绘上表达美的意识和愿望，但受实用性的约束，形体变化不大。
龙山文化：表面装饰相对简单，但造型变化丰富。许多器皿已摈弃了实用目的。
（二）原始绘画
1、原始陶绘艺术
分图案和图画两大类，图案居多，
2、早期地画、壁画、岩画
82年，秦安大地湾仰韶晚期遗址发现地画。
岩画：内蒙阴山岩画、广西花山岩画、连云港将军崖等
（三）原始雕塑
1、史前陶塑艺术品的造型种类
新石器时代雕塑有实用性和象征性两大特征，最具代表性的雕塑是玉器和陶塑。陶塑造型有动物和人物两大种类。
2、新石器时代石雕刻的两个中心及主要风格
南北两个中心，南方为良渚文化，北方为红山文化。
南方良渚：采用平面浅浮雕和线刻结合的手法，描绘对象主要为宗教礼器上的神人像，造型庄重神圣，较强的宗教意味。
北方红山：采用圆雕的技法，描绘生活中或神化中的动物，造型生动活泼，带有较强的装饰性。
第二章 先秦美术
（一）先秦青铜艺术
1、夏商周三代青铜器的发展过程及各阶段的风格特征
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2、青铜器的分类 ：按用途分：食器、酒器、水器、乐器、兵器等。
3、青铜器纹饰的主要分类及其特征：
动物（造型及主体装饰）和几何纹样（底纹或细部）两大类，
造型装饰特征：a、根据动物形态造型，被称之为“尊”；b、将人或动物形象与青铜器造型融为一体；c、以主体动物形象作为青铜器的附件
（二）先秦雕塑艺术
1、青铜雕塑的两种类型
a、以动物形象进行造型，大多表现与尊上，器物多为凝重宽博。
b、表现于器物的耳、盖、扣、嘴等附件上的立体雕塑。
2、简述先秦时期的雕塑艺术
就制作材料来看，大致可分为青铜雕塑、玉石雕塑、陶雕三类。
青铜雕塑主要指青铜器上的立体雕塑附件，可分为动物形象造型和器物附件立体雕塑。
玉石雕塑历史悠久，商代的成就最为显著，有大型大理石立雕，也有表现动物的小型雕塑
陶塑相对青铜玉石，为数较少，商代中期内容逐渐增加，商代后期以后由于玉石雕塑显著增多，陶塑大为减少。
（三）先秦绘画
1、三幅先秦帛画的名称、内容、性质
《龙凤人物图》长裙细腰女子，双手向前合掌，前上方画一龙一凤。有引魂升天的性质。
《人物御龙图》危冠长袍侧身贵族，驾驭巨龙飞天的景象
《缯书》以文字为主，四周画有神及动物的形象。最为突出的是三头人物形象。
2、战国帛画对后世人物画的影响
用笔用色等绘画创作实践上积累了一定的经验，墨线勾画人物的技法为后世传统绘画表现技法的发展奠定了一定的基础。
第三章 秦汉美术
（一）秦汉绘画
1、西汉长沙马王堆1号墓帛画的主题、特点
主题：乞求灵魂归天；具有浓厚的迷信色彩，有机的将三部分贯穿起来，罕见的表现手法，画面突出了墓主的高贵身份。
2、西汉长沙马王堆3号墓帛画的绘画技巧
绘画技巧：对人物形象的塑造能应用正侧半侧等多种手法。
3、山东金雀山西汉帛画的绘制方法
灵活运用淡墨线与朱砂线起稿，然后分别用各种色彩平涂。（没骨画法的先驱）
4、秦汉墓室壁画兴起的原因
受壁画盛行风气的影响。
5、汉代墓室壁画的重要代表、主要表现题材
重要代表：河北望都1号东汉墓壁画，汉代帛画主要反映墓主企望升天以及表现死者生前的显赫生活。题材有80多项，如城池幕府，乐舞百戏，庄园生产，孝子列女等等
6、汉代宫廷绘画的主要职能
出于宣传或政治目的
7、汉代文人画家代表人物
张衡，刘褒，蔡邕，赵歧等
（二）秦汉雕塑
1、秦代陶塑兵马俑的主要艺术特点
皆为手塑，风格写实，形象纯朴，总体布局上利用众多直立重复，气势雄伟。
2、汉代霍去病墓石刻的手法及代表性的石雕
手法上采用因材施雕的技巧，代表性的石雕是《马踏匈奴》
3、汉代陶俑的主要分类
王侯兵马俑，民间日用俑
4、汉代青铜塑像的杰出代表作品：《马踏飞燕》
（三）秦汉画像石、画像砖
1、画像石、画像砖的概念
画像石：以石为地，以刀代笔的绘画艺术。
画像砖：秦汉时代的建筑装饰构件
2、秦汉画像石、画像砖的两种制作方法
3、秦汉画像石、画像砖兴盛的原因
兴盛的原因：封建统治者为满足其奢侈生活或出于辅助政教的需要。
4、汉代画像石、画像砖的主要分布地区及艺术表现特征
画像砖西汉以洛阳、郑州为中心，东汉以湖南四川、江浙为多；
画像石大致分布在山东江苏安徽的北部等当时的政治经济文化重地。
艺术表现特征。。。。。。
5、汉代画像石、画像砖的题材与表现内容
a、反映劳动与生活的情景：如农民劳动场面、统治者奢华生活等。
b、反映历史故事与宗教神话传说的
（四）秦汉工艺美术
举例说明秦汉金属工艺、漆器工艺与染织刺绣工艺的艺术成就
如有名的“长信宫灯”，将人物造型、通烟、照明灯相结合，是审美与实用完美的统一。
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第四章 魏晋南北朝美术
（一）南传佛教美术
早期佛教造像南传系统的风格特点
源于秣莵罗风格，抽象、脸型短圆、眼球框较大，发型有螺状肉髻、螺发、肉髻三种。
（二）北方佛教美术
北方佛教造像几大石窟的艺术成就及造像风格特征
云冈石窟：造型气势雄伟，内容丰富，继承发展秦汉传统，吸取融合外来精华。
龙门石窟：云冈石窟的延续，风格汉化，表现手法更加纯熟，精巧。
巩县石窟寺：脸型方圆、体型丰腴，注重内在性情刻画。
敦煌莫高窟和麦积山石窟泥塑
南北响堂山、天龙山石窟：脸型圆浑、衣褶贴身、线条柔和、造型写实等
（三）魏晋南北朝绘画
1、魏晋南北朝绘画的代表人物及其风格特点、代表作品
曹不兴（较早的佛像知名画家）
卫协（曹不兴之徒，《史记伍子胥图》、《张仪像》等等）
戴逵（三马伯乐图、孔子弟子图）
顾恺之《女史箴图》《洛神赋图》《列女仁智图》
陆探微：风格秀骨清像，从师顾恺之
张僧繇：受佛教绘画的影响
将少游、杨子华、曹仲达
2、顾恺之的三件传世作品及主要内容、表现手法
《女史箴图》：绢本、墨画淡彩，横卷十二段，每段有葴文
《洛神赋图》：以连环画的长卷形式表现曹植《洛神赋》，采用勾染的表现手法
《列女仁智图》：用笔刚劲，强调晕染
3、魏晋南北朝时期山水画的发展状况
三水画在晋代成为了独立的画科，南北朝时，在理论和实践上都得到了进一步的成熟和完善，开启了隋唐山水画的繁荣局面。
（四）绘画理论
1、列举魏晋南北朝时期主要的几篇画论著作
顾恺之《画论》《魏晋胜流画赞》《画云台山记》，谢赫《古画品录》，宗炳《画山水序》，王薇《叙画》
2、山水画形成期宗炳、王微的两篇山水画论著作
宗炳《画山水序》，王薇《叙画》
3、顾恺之的三篇画论及主要论点
a、传神论，b、强调以形写神，c、迁想妙得。
4、谢赫的六法论
一、气韵生动，二、骨法用笔，三、应物象形，四、随类赋彩，五、经营位置，六、传移模写。
第五章 隋唐五代美术
（一）隋唐五代人物画
1、阎立本及其代表作品
唐初人物画最高水平的代表。代表作品有：历代帝王图、步辇图、职贡图等
2、吴道子的作品、风格特征、艺术成就
送子天王图、地域变相图、伏生授经、鬼伯图
用笔遒劲神速，白描，以宗教人物画成就最著
3、尉迟乙僧的绘画特点
佛教画为主，西域特征。
4、张萱、周昉的仕女画作品及画风
张萱：捣练图、虢国夫人游春图，
画风：工整而妍巧，肥硕而浓丽。
周昉：簪花仕女图、纨扇仕女图
风格：衣裳简劲，彩色柔丽，以丰厚为体。
5、孙位及其作品
孙位《高逸图》
6、南唐著名的代表性画家及其作品
周文矩：《宫中图卷》《重屏会棋图》等
顾闳中：《韩熙载夜宴图》
王齐翰：《勘书图》
卫贤：《高士图》《闸口盘车图》
7、中国人物画的“四家样”及各自的风格
四家样：张僧繇、周肪、吴道子、曹仲达
风格。。。。？
（二）隋唐五代的山水画
1、隋展子虔的代表作品及其在山水画史上的意义
展子虔《游春图》，今存最早的一幅完整的三水画。
2、唐青绿山水画派画家李思训、李昭道及其作品
李思训及其子李昭道，父 子
3、唐代水墨山水画的代表人物
王维、张璪、王洽等等
4、王维的山水画及技法特点
水墨渲染，诗中有画，画中有诗；体涉古今。南宗画派鼻祖
5、五代北方山水画派代表人物荆浩、关仝及其作品、风格
荆浩：北方山水，《匡庐图》
关仝：师法荆浩 传《山豀待渡图》及《关山行旅图》笔愈简而气愈壮，景愈少而意愈长
6、五代南方山水画派代表人物董源、巨然及其作品、风格
董源：《潇湘图》《龙宿郊民图》《夏山图》等，擅长用披麻皴
巨然：董源弟子，其画轻岚淡墨、烟云流动。
（三）隋唐五代山水花鸟鞍马画
1、鞍马题材画家及代表作品
曹霸（作品今皆不存）
陈闳《八公图》
韦无忝（记载《习马图》《散马图》等皆不传世）
韩干《牧马图》《照夜白图》
韦偃《双骑图》
2、画牛名家及存世作品
韩滉《五牛图》、
戴蒿《斗牛图》
3、唐代花鸟画代表画家及艺术成就
薛稷：擅长画鹤、
殷仲容：擅书画
边鸾：花鸟画祖师
4、五代花鸟画“徐黄异体”指哪两种风格，各自有何特点
黄筌 “黄家富贵”；首创没骨法
徐熙 “徐家野逸”；线条为主 色彩为辅
（四）宗教墓室壁画及石刻线画
唐代宗教壁画和墓室壁画与当时绘画的相互影响 。。。。
（五）隋唐五代雕塑
1、唐代陵墓石雕艺术的代表
唐太宗的昭陵、高宗及武则天的乾陵、武则天母亲的顺陵
2、隋唐重要的雕塑家
韩伯通、宋法智、吴道子、杨惠之、张阿乾、王耐儿等。
3、唐代雕塑艺术的成就及对后世的影响
融会了南北朝时北方和南方雕塑艺术的成就，又通过丝绸之路汲取了域外艺术的养分，雕塑艺术到盛唐时大放异彩，创造出具有时代风格的不朽杰作。主要表现在陵墓石雕、宗教雕塑、陶塑等。
宋代画家郭熙受杨惠之启发，创造了塑绘结合的“影壁”艺术。
（六）隋唐五代工艺美术
唐代陶瓷美术的代表作品
唐三彩：低温釉陶
第六章 宋元美术
（一）宋元山水画1、北宋四大家的代表作品及风格特点 ？
1. 李成：多写寒林平远风光，《读碑窠石图》气象萧疏 烟林清旷
2. 范宽《溪山行旅图》，重山叠岭，雄奇壮伟，笔力坚实，山石作“雨点皴”
3. 郭熙《早春图》以幽奇神奥取胜，布置巧妙，变化多端。山石如“乱云”。树如“蟹爪”
4. 赵伯驹和赵伯骕兄弟：《江山秋色图》《万松金阙图》精工之极，又有士气。
2、郭熙山水画论《林泉高致集》的主要观点
提出“三远”构图置景法；即“高、深、平” 提出山水画价值论
提出山水画学习方法 提出对山水美的观照 提出山水画对修养的积炼和对精神的涵摄作用
3、南宋四大家的代表作品及风格特点
李唐《万壑松风图》《清溪鱼隐图》 大斧劈皴、水墨苍劲 刘松年：《四景山水》斯文 细腻
马远《踏歌图》一角构图、人物情节与山水结合 夏圭《山水十二景》善于半边取景
4、两宋其他的山水画家
许道宁、翟院深、王诜等，燕文贵，赵令穰，米芾父子，王希孟
萧照、马和之、江参等
5、元初赵孟頫的代表作品及画风
《鹊华秋色图》；倡古排宋、清雅朴素、书画结合。
6、赵孟頫倡导的“复古”的含义
提倡古意，力排南宋画风。
7、元四大家的代表作品、风格特征
黄公望《富村山居图》水墨或浅绛设色，表现江浙风光 吴镇《渔夫图》重用墨，多湿染。
倪瓒《渔庄秋霁图》多瘦树平坡 王蒙《青卞隐居图》千岩万壑、茂密高峻，构图多为高、深远
8、元代山水画的其他代表人物
钱选、高克恭、赵雍、曹知白、唐棣、朱德润、盛懋
（二）宋元人物画
1、北宋宗教人物画代表画家及其作品、艺术特点
武宗元、师法吴道子，《朝元仙仗图》
2、南宋减笔人物画的代表画家及其作品
梁楷《布袋和尚图》《李白行吟图》《六祖斫竹图》等
3、宋代风俗画的代表画家及其作品
张泽瑞《清明上河图》
4、元代人物画的代表画家
1钱选和赵孟頫古意画风 2张渥的白描人物 3王绎的肖像画 5、元代宗教壁画的代表
佛教的莫高窟3号窟和西藏寺庙壁画
道教的永乐宫壁画
（三）宋元花鸟画
1、宋代画院机构名称《翰林图画院》
2、宋徽宗赵佶的花鸟画作品及风格
《芙蓉锦鸡图》、《红蓼白鹅图》、《池塘秋晚图》《柳鸦图》
微宗以工整细致色彩绚丽见长，重写实。
3、宋代画院的其他花鸟画家代表人物
赵昌（善用色）易元吉（善画猿）、崔白（多才多艺）、李迪（脱离黄家富贵，向荒疏淡逸方向发展）林椿（工整细腻）
4、宋代文人花鸟画家的代表人物
文同，擅长画竹《墨竹图》、僧仲仁和赵孟坚，都以画梅著称，
5、元代花鸟画的两大风格
体院风格花鸟，工笔设色，代表有钱选、赵孟頫、任仁发和王渊。
文人花鸟，代表有：李衎、赵孟頫、柯九思、王冕、王渊等。
6、元代擅画竹、梅、墨花墨禽的代表人物
李衎(kàn) 画竹、王冕画梅、王渊张中墨画墨梅
（四）宋元雕塑
元代宗教雕塑的特点及代表性作品
元代雕书最大特点是宗教题材与各民族间的交流与融合趋势。
其中比较重要的有居庸关过街塔的天王像；杭州飞来峰的摩岩造像；洛阳白马寺十八罗汉像和晋城玉皇庙二十八宿像。
（五）宋元工艺美术
1、宋代五大名窑及各自特色
”定、汝、官、哥、钧“是闻名于世的宋代五大名窑。
1汝窑：釉质莹厚滋润，葱绿或深灰色，有印花、刻花。 2钧窑：胎骨为羊肝色、厚而不透明，窑变色斑美丽无比。以紫、红、青、白闻名。 3定窑：白釉瓷器为主，坚细轻巧、花纹图案风格典雅
4官窑：釉色有月白、粉青、大绿等 哥窑：百圾碎、鱼子纹，釉色有月白、粉青等。
2、元代瓷器产地及各自特点
南方的景德镇、龙泉窑和北方的钧窑
景德镇：白瓷得到发展，釉里红装饰，粗大、厚重、朴俗
龙泉窑：釉色青中带绿、供应出口。
钧窑：粗。
第七章 明清美术
（一）明清山水画
1、明代浙派山水画家及作品
明早期山水代表，师承南宋院体。
戴进（浙派创始人）《风雨归舟图》《渔舟伯月图》《春山积翠图》《溪堂诗意图》等
吴伟：《踏雪寻梅图》《长江万里图》《雪景山水图》《灞桥风雪图》 等。
蓝瑛：《山水册》《秋壑霜林图》《溪山曳杖图》
2、吴门四家的作品及风格特征
明中期，吴派兴起，始创于沈周，成于"文徵zhǐ明"，另有唐寅、仇英等，沈文唐仇合称“吴门四家”
1沈周：早期谨细，师法王蒙，后期粗简，师法吴镇。《吴门十二景》《庐山高图》
2.文徵明：也分粗细风格，以细见长《绿荫清话图》《真赏斋图》等
3唐寅（唐伯虎）：题材处理方面更重思想性。《骑驴归思图》《春山伴侣图》
4 仇英：青绿水墨均有，《桃源仙境图》《停琴听阮图》
3、明代后期华亭派的代表人物
明代后期，上海松江一代。代表人物为董其昌：扭转了吴浙两派的颓风。他提倡摹古，师法董源、米芾等
4、董其昌的画风及代表作品
追求以书法入画所导致的笔墨联系变幻的表现力。强调布局中的势，笔墨中的虚实，追求画面的含蓄性。
画风有两种格调：一是枯笔水墨，一是没骨或浅绛
《仿米氏水墨山水图》《仿唐代扬升没骨山水图》《秋兴八景图》
5、明代其他著名的山水画家及作品
较有名的还有早期的王履《华山图》、王绂fú《山亭文会图》《凤城饯咏图》，中期的周臣《田家图》培养了唐寅和仇英。
6、清初“四王”、吴历的艺术风格
王时敏：师法董其昌，“画不在形似，而在笔墨之妙”。早期淡雅温润，工整精细，晚年作品较为粗疏，荒率苍莽之气。《夏山飞瀑图》等
王鉴：运笔出锋，用墨浓润，树木丛郁，后壑深邃，皴法爽朗空灵，匠心渲染，有沉雄古逸之长。间作青绿重色，亦能妍丽融洽。《浮岚暖翠图》等
王翚huī：对古人激发涉及面最广。作品虽多仿古，却具清丽深秀风致，功力深厚，但有时过于圆熟或刻露。晚年脱落，转有苍茫之致。《溪山渔乐图》
王原祁：王时敏孙子，自称笔端“金刚杵”。擅长枯笔焦墨，层层皴擦，不厌其烦，韵味厚重，“熟而不甜，生而不涩，淡而厚，实而清”
吴历：集各家之长，创立自己的面貌，创造了“阳面皴”
7、清代三画僧的艺术风格
弘仁：“敢言天地是吾师”，画布局奇兀，近景大岩壁立，远山缥渺朦胧。
髡kūn残：他的绘画分两部分，即师法前人和师法造化。传统与造化相融合，形成了自身风范。
石涛：大胆的革新与创造精神，力倡革新，打破前人巢臼，扫除当时萎靡之风。
8、“金陵八家”的代表人物
龚贤、樊圻qí、高岑cén、邹喆、吴宏、叶欣、胡慥和谢荪
龚贤成就最高,其风格分为黑龚、白龚两种，“白龚”指其简笔无皴或少皴的作品，“黑龚”即为晚期作品，《溪山无尽图》《挂壁飞泉图》等等。
（二）明清花鸟画
1、明代宫廷花鸟画的代表人物及风格特点
边文进：擅长画果翎毛，取法“黄家”，代表作有《竹鹤图》
林良：擅长水墨花鸟，造型准确，法度森严，用笔粗阔有力，用墨豪放。对文人花鸟画的真正确立起到了开启作用。代表作《雄鹰八哥图》
吕纪：有工笔重彩《桂菊山禽图》 也有水墨淡色写意《残荷鹰鹭图》；
2、吴派文人花鸟画的代表作品
吴派花鸟画反映了文人花鸟（题材和技法）在明代的发展，
沈周《枯树八哥图》《墨花图》《慈乌图》
文徵明：兰竹题材较多《墨竹图》《寒香仙伴图》
唐寅《春雨鸣禽图》《墨梅图》
3、明代大写意水墨花鸟画的代表人物及其作品与影响
陈淳《葵石图》开启水墨大写意花鸟风格。
徐渭《杂花图卷》真正完成水墨大写意花鸟画的画家。笔势狂逸，墨汁淋漓，是写意花鸟画成熟的标志。
4、清代恽寿平、朱耷花鸟画的风格特点
恽yùn寿平：或纯色作画，寓色于笔，明丽清润，造意精微；或墨色并用，相映成趣，点染雅淡，疏秀飘逸。朱耷dā：简括、夸张、变形
5、“扬州八怪”的代表性画家与风格
汪士慎、黄慎、金农、李鳝、郑燮、李方膺、高翔、罗聘
1郑燮xiè：以画竹来表现它的思想情感，提出艺术应心摹手追以气韵为先，代表作有《丛竹图》 2李鳝：用笔奔放自如，在题材、笔墨上，大胆地创新。代表作：《芭蕉睡鹅图》《松石牡丹图》
3.金农：构图别有意境，形象古拙，笔墨凝重，风格高古，擅画竹
4.黄慎：人物为主，山水花鸟为次。 5.汪士慎：以画梅著名，密蕊繁枝，清淡秀雅。
6.高翔：也以画梅著名，还能山水肖像 7.李方膺：画梅兰竹菊，落笔磊落飞动，晚年专工画梅，以瘦硬见长。 8罗聘：金农弟子，八怪中唯一能画壁画的。见多识广。
6、“海上画派”的代表性画家
海派求变化，喜创新。生机勃勃，不守成规。
三任（仁熊、任薰兄弟，徒弟任颐）、赵之嫌（创立海派基调）、虚谷、吴昌硕。
（三）明清人物画
1、明代浙派宫廷人物画的代表人物
取法南宋院体，笔墨以粗放苍劲为特色，画面注重气势
代表人物有：郭诩，吴伟，戴进（三人均有工整粗放两种风格）
2、唐寅、仇英的人物国代表作品及风格特点
吴派唐寅：水墨写意和工笔重彩。《秋风纨扇图》（兼工带写）为其水墨作品代表。工笔代表为《孟蜀宫妓图》（线条细劲、流动，设色妍丽、明快。）
仇英：也有细工设色和粗简水墨两种画法。工笔重彩《捣衣图》；粗笔水墨《柳下眠琴图》
3、“南陈北崔”的代表人物及画风
陈洪绶：人物成就最为突出。夸大、变形的风格特征，人物奇古艳雅；《仕女图》细秀清淡，具古典之趣。《笼鹅图》；
崔子忠：画风也以高古变形为特色，但比陈洪绶温和。《云中玉女图》《杏园夜宴图》
4、明代肖像画的代表画家及技法特点
丁允鹏：擅人物，早期用笔文秀细腻，晚年变得粗厚苍劲、自成一家。《漉洒图》《洗象图》
曾鲸：受西洋人物画影响，并将其融入传统肖像中而别开生面。《张卿子像》
5、清代人物画的代表画家
清代人物画家前期以禹之鼎、焦秉贞、改琦、费丹旭等盛名于世，晚期以“三任（仁熊任薰任颐）”为代表。
陈洪绶体系：高古雄伟，笔力劲健（前期高其佩〔创“指头画”〕苏六朋苏长春，晚期“三任”）；
仇英体系：精密工丽，灵秀艳逸（禹之鼎〔以白描取胜〕、郎世宁、焦秉贞、冷枚）
（四）明代壁画、版画和年画
1、明代版画的代表作品
较有名的有：西厢记插图、水浒传插图、青楼韵语插图、牡丹亭插图、十竹斋画谱和十竹斋笺jiān谱
2、明代年画的产地及各自的风格特点
天津杨柳青年画：受北京版画和院体画影响，精细生动，设色鲜雅，题词讲究。追求绘画效果，彩色套印与彩绘结合，具有悉尼辉煌效果
苏州桃花坞：受南方版画影响，严谨精致，人物作微笑表情。着重描绘日益繁荣的城市面貌和市民生活。
山东潍县杨家埠：造型夸张，完整饱满均衡有装饰，色彩鲜明对比强烈，善于表现农村生活风俗和民间戏曲故事。具有很强的民俗特色。
（五）明清雕塑
明清雕塑的特点
其中的仪卫雕刻（如明代石狮形象）与宗教雕塑，特别是在朝廷官府直接控制下所产生的作品，规模大，材料贵重，制作精细，但大多缺乏创造性和生命力。
而一些与广大人民群众有着较密切关系的小型玩赏性雕塑，则有显著的发展，出现了生机勃勃的景象，代表着这一历史时期雕塑艺术的新成就（如天津的“泥人张”）。
（六）明清工艺美术
明式家具的特点与主要产地
明式家具造型简洁，线条流利，装饰适度。重视功能性与艺术性的统一，产地主要有三处：北京皇家的“御用监”；民间声场中心苏州与广州。
第八章 近代美术
（一）近代中国画
1、近代中国画的三大分期？
近代美术可分为三个阶段：
1、中国美术的近代化（1911-1927）；2、中西美术混流（1928-1937）；
3、现实主义美术鼎盛和向现代转型（1938-1949）
近代中国画的三大流派：
1、北京画坛（绘画风气趋于保守，陈师曾）；
2、海上画派（继承扬州画派的创新精神，一定程度接受外来文化艺术影响）；
3、岭南画派（受外影响，大胆融合西洋画法以革新国画，高氏）。
近代中后期杰出国画家有张大千，溥心畲，黄宾虹，齐白石。
2、北京画坛的代表性画家及各自特点
陈师曾：主张中国画革新，率先反对“四王”的复古陋习，努力恢复中国绘画师造化的优秀传统；吸收西洋画对景写生之长，形成他开创的写生法。
金拱北：博物馆事业奠基人，民国前期画坛上力倡传统的主帅。
还有萧俊贤、姚茫父、陈半丁、齐白石等。
3、“画坛三重臣”指哪三位画家及他们各自的风格特点
徐悲鸿：远洋功习油画，回国主要精力放在艺术教育和改良中国画上，浑厚扎实的写实功力，作品蕴含着深刻思想，作品分西洋画和中国画两类，以人物为主，动物风景为次；
刘海粟：创办中国第一所美术学院——上海图画美术院，注重个性发挥，气度豪放、笔势奔逸、敢于创新。
林风眠：认为一年是艺术创作的原动力。其绘画感情色彩浓郁，线条流畅奔逸，色墨浓重大胆；方形构图不留白，画面浓重饱满。以富于哲理性的主题和新颖的形式刷新了中国画坛。
（二）近代西洋画
油画在中国近代是如何发展的
启蒙时期，出现了李叔同、李铁生等赴日赴欧学习近代美术的先驱。李叔同成为了中国近代美术史上传播西洋美术的第一位启蒙者，
启蒙时期的重要画家还有周湘、陈抱一等。
西洋画传入中国后曾兴盛一时，之后开始动摇，期间出现了颜文梁、陈抱一、潘玉良等西洋化阵地的坚守者。
之后又出现了李毅士、汪亚尘等中西绘画合璧的佼佼者，以及出现了油画民族化的代表唐一禾、董希文、吴作人等。
（三）近代版画的代表画家及风格特点李桦、黄新坡、古元、彦涵、力群、胡一川、江丰、陈烟桥等。
中国近代版画反对为艺术而艺术。其发展与战争相伴。具有它特殊的意义。
（四）近代雕塑在写实造型方面的突破及代表人物
以20-30年代江小鹣、李金发和40年代的刘开渠、王临乙、滑田友为代表，他们相继出国学习西方雕塑观念和艺术技巧。
20年代上海美专等学校设立雕塑科造就了中国第一批雕塑人才，
近代雕塑曙光显现于1929年教育部第一届全国美展，展出雕塑作品50多件。具有深远意义。
30年代南京各界成立了孙中山铜像委员会
经过这些先行者的努力，给中国近代雕塑带来了新气象。
十万火急!!!现代教育技术对美术教育的影响,相互关系
美术新课程标准与现代教学整合的展望
许静
内容提要：电脑多媒体教学模式在信息时代应运而生，其生动的形式和良好的效果，向人们展示了一幅诱人的前景。我们需要学习和发挥科学系统的教学理念，将激励与整合存在于美术教学过程的各个要素之中，贯穿于教学过程的始终。在高中美术欣赏课上充分利用多媒体电化教学，帮助新一代的教育人员把多媒体作为一种交互式工具来使用，并以其观念新、手段先进、效果显著等优越性推动着素质教育向更高的目标发展，对培养创造性人才，创造信息化社会的文化环境，有着深远的意义。
关键词：多媒体、美术欣赏、新课程标准、信息技术、美术教育、激励整合
（一）了解高中美术课程涉及新内容对美术教师的新要求
普通高中美术课程要适应发展的要求，增设反应美术学科发展成果的现代设计、现代媒体艺术等内容；注重对美术语言以及美术的发展规律等基础性内容的学习；充分利用和开发校内外美术课程资源，增加课程的多样化，实行学分制，鼓励学生自主选择，为个性发展拓展空间，满足学生多样发展的需求。
高中美术新课程标准模块E：现代媒体艺术，成就标准规定：通过“现代媒体艺术”模块的学习，学生能够（1）积极参与现代媒体活动。（2）恰当的使用美术及相关的术语，从观念、创意、制作技巧等方面，以自己的观点评论中外两件以上的现代多媒体艺术作品。（3）了解相关的现代媒体设备和机械的基本特点，并能独立操作现代媒体设备和使用相应软件。（4）发现生活中有意义的题材，并用现代媒体艺术的形式加以记录或表达；充分录用图像资料库和网络资源，有创意的完成两件以上的现代媒体艺术作品，表达自己的情感和思想。（5）以多种形式大胆地展示和交流，用口头或书面的形式对自己和他人的现代媒体艺术作品作出评价。（6）理解现代媒体艺术与其他学科之间的联系，并将其运用于研究性学习的表达和战士之中。
可见在完成素质教育的过程之上，科学技术和社会经济的高速发展，带来了教育手段的更新；由于教育手段的更新，必然会出现教育的大变革！未来教育将是开放式的、多媒式的、遥距式的、点播式的、交互式的、个性式的、自学式的、自动化式的、未来式的。
（二）美术教育将是多媒式的、交互式的
信息社会有人成为媒体社会，各种信息的传递，其中包括教育信息的传递都要依靠媒体来实现，因此媒体教育是信息社会中学校教育的主要手段。
多媒体技术将应用于人们生活的各个方面，尤其更适用于远距离教学和未来教育的目标。“多媒体”教学打破学校、课堂、教室的地域范围，是学生同世界相连通，实现双通道乃至多通道的全球性的网络教学；它又可以使每个学生能够同几乎无限的信息来源进行接口，实现知识和成果的共享，是知识成为人类的共同财富。“多媒体”形式运用于教学以后，对于讲授较难的概念和实践性较强的课程效果更好，并能进一步引发出各自解决问题的方法，使学生在教育领域的不同方面成就目标，是教育成果能实现整体优化。运用现代媒体进行高中美术欣赏课教学，能最大程度上展示作品具体可感性、生动鲜明新的艺术形象，形成时间、空间、立体式的艺术审美教学氛围，使学生产生由衷的赞美、感叹、引起兴奋、热情等一系列的审美心理变化过程，从而积极参与情感体验与艺术思考，达到提高艺术素质教育的目的！
所谓交互式（inteactive）就是师生之间是相互作用的。在信息社会中，由于每一个角落都以功能强大的通信网络连接起来，历史学家们证实，不是技术改变了世界，而是采用技术的人们改变了世界。为了有效的改变世界，需要合适的、集成的、高质量的信息交流，而多媒体技术是所有领域中的交流工具和有效的、改变世界的催化剂。发展永恒的，水平是相对的。高中美术课要在信念上确立为培养学生的科学精神、创新意识、实践能力服务。但相对而言，美术方面的研究课并未得到真正意义上的重视，由于“多媒体”的发展，必然会引起对通信技术、联络技术、自动化技术、成像技术、传染技术等人才需要的增长，因此教育机构必须十分重视这方面的教育。
（三）例如美国DBAE美术教育理论是较科学的系统方法
不可否认，现在的高中美术欣赏课程存在着明显的弊病。例如，现有的教材更注重本身专业的系统性和知识点的完善，而与其他人文学科融汇不够，没有形成更为开放的知识环境；因为更注重传统的经典内容，反映当代艺术现象的内容不多，美术教育与时代联系不够；对艺术在当代社会生活的影响没有足够的关注，近于空白；特别是高中段，由于仍受到应试教育的压力，欣赏课也只能受到课堂教学的限制，与其它传统科目的教学方法一样雷同单一，形成程式化的教学模式。普通的审美意识教育相对淡薄，结论观念老套陈旧，缺少时代气息，学生心理上很容易产生厌倦，学生的综合能力与创新能力的发展受到极大的阻碍。某些情况下落后于时代，对于学生来说了解一下当代服装潮流也并不是一件坏事嘛。美育要真正为学生服务，从教师自身开始朝综合的方向发展，在现代教学模式上找到新的价值！
“激励”是指：现代教育技术和系统科学的方法对教学过程基本要素和教学结构积极作用，（教学过程基本五要素：教师、学生、教学内容、教学手段和教学环境）激发其内部结构发生变化，形成新的要素结构和教学结构，以促进教学优化。“以学科为基础的全面综合艺术教育”（Discipline Based Art Education简称DBAE）是美国加州南部盖蒂艺术教育研究院酝酿了近20年的美术教育成果。它主要适用于从幼儿园到高中三年级的学生，同时该理论也适用于成年人的教育，终身教育和美术馆的美术教育，该理论的构思就是使人们能接触，体验若干学科领域的知识并掌握其知识内容。但最基础的四个学科领域为：美术创作、美术评论、美术史和美学。应用这四个学科领域进行美术教育会有助于人们的美术创作，有助于理解欣赏美术作品，理解美术家及其艺术作品的的创作过程，以及了解美术在社会及文化中的角色和作用。同时，该理论还能够为美术教育提供相关内容资源的学科，包括人类学，考古学，传播学，文化学，教育评估，语言学，哲学以及社会学。这些领域不断发展能够逐步帮助我们更加充分地了解美术教育。美国DBAE美术教育理论所要达到的目的：就是人人都有机会接受艺术教育和享受艺术。并让每个孩子终生受益，为人类作出最高最好的贡献。
DBAE也重视课程内容的灵活性和丰富性。DBAE能充分利用不同的学习方法，在学校和社会中，DBAE有助于培养出学生良好的学习和工作习惯，提供最佳的学习环境，学生们有机会发展培养自己的视觉能力，从而增强学生在这个视觉形式无所不在的社会里成功进取生存的能力。DBAE也认识到美术教育对学生行为、心理、人格发展的贡献，诸如培养学生拥有自尊、耐心、毅力信心和充满活力。要求学生还必须能利用现代科技（如：电脑、电化教学）进行艺术交流，获得更多有关音乐、美术作品的信息资料，便于创作与欣赏，同时懂得与他人合作，学会以音乐或美术创作来表现自己的思想和情感。让每个学生都成为一名知识丰富，博爱胸怀，懂得识别欣赏艺术，创造艺术，富有社会责任感的艺术消费者和受益者。
美国DBAE美术教学，除了对鼓励学生以生动、活泼的形式学习艺术外，还要求教师热衷于艺术教学，接受全面的艺术培训，掌握多学科中丰富的理论知识和技能、技巧、有渊博的知识。懂得艺术是一门有实际意义和内容的课程，懂得如何把知识巧妙地用在课堂上进行辅导教学，让学生获得知识和技能。
DBAE美术教学的成功要素，对学生、老师、领导都寄予希望，此外还要求校外的艺术机构：艺术、美术、少年宫、活动中心、图书馆、音乐厅、影剧院、艺术博物馆、社区文化组织等，都参与。为学生学习和体验提供更新更多的服务，建立学校与学校、学校与社会各项艺术教育网络，互相促进，供求发展。《美国艺术教育国家标准》宣言中说：“我们的儿童及有可能带着文化的残疾步入社会，我们绝不能允许这样的事情发生”。10岁的孩子就能写出近20页的《我怎么看人类文化》的长篇论文，并且还是自己设计封面、插图和装订。而我们这里，这样的孩子只怕是要被当作“神童”送进什么“少年班”重点培养。事实上，还有许多孩子都可以做到！
中国的艺术教育似乎还有些举步维艰，我们必须加紧思考，并且行动起来！
（四）高中美术应运用“激励整合”教学模式，电化教学的充分体现
教学过程是充满矛盾的复杂过程。以现代教育技术为指导，采用系统科学的方法，对处于激励状态的教学过程基本要素和教学结构与教师的教学行为和学生的热释行为进行整体构建，形成教师的教学行为准则和学生的认知行为准则，已通过教学实践提高教学效果和教学效率，促进学生全面和谐的发展。
系统的教学方法需要不断完善，美国DBAE美术教学理论历经20年还有待完善，我们国家的艺术教育在本不健全合理的情况下，近几年也看到了一些希望，至少口号越喊越亮，踏实贯彻就会跟上时代的脚步。
作为一名年轻的美术教师，我觉得更应该将现代教育技术和系统的方法与现代教学相结合，是美术教学中的审美理论和实践达到一个新的更高的层次。整个美术教学活动绝对会延伸到课前课后。课前除了对知识的整理以及对课堂学生心理反应的设想，主要在电教媒体这个先进的物质手段上。采用电脑多媒体教学，美术欣赏课的效果则大为改观。课堂电化教学是实施“激励整合”模式的中心环节，称之为“中心操作”。事实上我认为针对高中段的学生来说一堂美术欣赏课可以上60分钟，欣赏需要时间去体味美术作品，根据新课程标准要求，学生应该自己就能动手使用某些多媒体设备进行创作，这也许要有时间操作。课堂结构的完善可以根据学科特点来灵活安排。“激励整合”模式虽然早有设想，但由于我国大多数地方的教学条件无法满足，更有关的是从根本上仍然是要面对应试教育的大环境，艺术教育的系统方法没有形成，我希望得到全社会的重视，这样，这一套模式才能在继承传统的基础上发展起来。教学过程的基本要素结构不变，各个要素内部结构的功能发生了深层次的变化。它是一种特殊的教学行为的理论框架、其特殊性是它的技术性、社会性、系统性和激励整合性。（附“激励整合”教学模式图）
现代教育技术本文简称“电教媒体”并用英文字母“Mt”表示（媒介：MEDIUM，技术：TECHNOLOGY）；系统科学的方法，简称“系统方法，并用英文字母“S”表示（系统：SYSTEM）。
在进入中心操作前的各项教学准备工作，是“前操作”。实施“中心操作”之后对教学反馈信息的整理和分析，我们称之为“后操作”美术专业知识的传授，是绝对有必要结合美术作品的，教师需要寻找大量的光盘，通过Photoshop进行处理，教学是双边活动，艺术课程更是如此。我想不仅仅是小孩子喜欢游戏，大人、老人同样喜爱娱乐，青少年就不用说了。例如：教师在准备欣赏传统绘画的课上，结合教材的内容，选择一两幅经典作品用Author ware制作成拼图游戏，找错游戏，安排在讲解完后提供学生利用电脑怎样动手在游戏的轻松的状态下熟悉一下，不能将一对图片轮流播放算是直观，那样只是变相的幻灯片而已，可以说学生亲自接触多媒体设备比浏览一下画面映像要深刻多了，学生锻炼形象的培养也得到体现。（课堂结构安排上可以灵活对待）
再例如：高中美欣赏内容有“古希腊的雕塑”，对于学生来说不但是正确欣赏健美、赋予自然力量的人体美，重要的是了解古希腊文化造就的理想美，如果找到相关的经典电影，（电影《埃及艳后》）剪切其中某些合适的片段看看克娄巴到底有多美，看看希腊奥林匹克运动会的健将们，当时奴隶制民主社会的氛围，从社会历史根源理解审美观念的形成，这不能不说是一种欣赏。我们不需要对学生说古希腊雕塑是多么美啊，请学生看了再体会，是怎样的感觉。
现在的美术欣赏教材与当代美术信息联系太少，网络是很好的老师，教师安排学生查找当代美术前沿的信息，了解中国美术与世界美术发展的距离。很多新画种，审美的新观念在不断滋生，学生也有必要知道“正宗”的前卫艺术，有必要了解一下行为艺术。（这些内容教材中不涉及）许多优秀的当代美术家成长起来，他们代表着我们国家精神文化发展的一部分。教师可以布置任务学生将查找的相关信息，收集各种素材，选用Frontpage、Dreamweavar等与教师一起制作友情链接等，进行传播和交流。
高中美术欣赏比较新的内容是“现代设计”，现代社会也注重培养实用型人才。学生的“前操作”，是教师布置一些比如，收集广告单、企业的CI资料，预先打开眼界。我认为现代设计就是题材越新越能体现时代性。学生通过对商标标志的自行设计，增强现代设计意识，是对创造性思维的有利培养。另一项创造性思维能力培养的开创，就是向学生展示“美术故事”。Flash动画已成为网上喜闻乐见的交流情感的形式，教师介绍某个美术家生平故事有的时候是枯燥无味的，教师的“前操作”可以将这些内容制作成简单的Flash动画，学生一下子就会被吸引，原来欣赏课也蛮有意思的。这不仅切合青少年的喜欢新生事物的心理，也使他们重视到美术课是包罗万象的。
（五）信息技术与美术教育课程整合势在必行
“激励整合”教学模式的“中心操作”无疑对现代教师的教育技术化要求很高，正象古代就有的教育技术化的追求和近代就有的教育科学化的运动一样，在现代，教育技术化也成为一种时尚。以上对高中美术课的一些建议，需要学校尽可能增添现代化的教育媒体，特别是对美术课有用的电教媒体要充分利用起来。要让教师明白：现代教育媒体的应用势在必行，没有它，自己的职业技能就不符合时代精神。
中国的美术课教学都是以教师为主体，也就是说这些都是是以传授为主，教师讲得太多，学生的主体活动太少，并且整个教学过程中教师从未将自己的姿态降到与学生们实现的统一高度。现代教育思想要求充分发挥教师教学的主导性和学生认知的主体性，“激励整合”模式在美术课程中的运用，学生不仅是教学对象，是“信宿”，同时，学生又作为“要素组合”与其它“要素组合”相结合，参与了教学的全过程，又是“信道”中的一部分。电教媒体为信息传输和处理技术提供了强大的物质手段，在教学系统中发挥着先进的结构功能作用。三万年以前，人类的第一批画家们使用烧焦的木炭和植物的根须在洞穴的壁上作画，到了今天，越来越多的美术工作者利用电脑进行美术创作，探讨激光艺术并将电影和录像加以数据化。伴随着信息时代的到来，美术教育工作者们会越来越多的机会利用现代多媒体科技，只需手指轻轻一击键盘就可以获取无数的教学信息，专业美以及其他美术界都将网络化。心理学告诉我们，当人的心理活动处于最佳状态时刻，是人强烈地感受到幸福和欣慰的时刻，使人的心理活动进入“高峰体验”的时刻，这个时刻人不仅觉得自己更美好更坚强，而且觉得整个世界都变得愈加美丽统一！审美教育的目的不就是让学生体验美，创造美吗？多媒体电化教学是最直观最丰富的方法，有效地在感性层次上诱导、激励、发展学上的各种本质力量。
艺术教育网络可以使大家有机会使用电子邮件，非常轻松地与全球众多的同行们交流自己的思想、信息、资料。教师们能够从非常遥远的地点轻易廉价的分享信息，交换和广泛传播新的有价值的课堂教学方法和资源。这些美术教学信息和资源将使每一位教师和学生受益。
一个全新辉煌的美术教育时代以无限延续人类生命的巨大威力即将到来，帮助我们所有的人体验人间的喜怒哀乐和人类生存意义，我大家都来伸出双臂拥抱新世纪艺术教育的光明。
谁有中国美术史的复习资料啊？考研用。重点，考点什么的。谢谢啊~~
中美史的内容比较多，每个出版社出版的参考资料内容是有差距的，如果你想要考研，得看你报哪个学校，什么专业？一般院校都会给出范围（用哪个出版社出版的中美史，比如山大美术考古专业用参考书: 《中国美术简史》（增订版）中央美术学院美术史系中国美术史教研室编著，中国青年出版社2002年。）
因此，你要首先由明确的目标，报什么学校，什么专业，哪位导师，然后要搜集该专业的历年考研真题，一般都能买到。
祝你好运！
中国美术史 外国美术史 油画理论与技法 中国画论 中国书法史 中国篆刻史 中国书论 哪个简单。。考起来容易
1，你是中国人吧--那就选择中国的--外国的，就是名字你就难记……还有文化的差异……外国还有那么多的国家--就更复杂了--这个排出了 外国美术史 油画理论与技法
2，中国美术史--固然好，但范畴还是广了些--
3，中国画论--尽管我个人喜欢 重视--但这个要结合中国绘画史来读的--故，也排除---
4，中国书法史 中国书论--最为实用了--但也是基本上两本书要结合着来读--
5，中国篆刻史--这个相对于内容要少些，也单一些……但现实应用的范围确实窄了……
这个是我的分析，你作何决定，是你的事，我觉得，要看--一则，还要看你的喜欢 兴趣--这个是保证你能学好的前提--二则，要好是选择，既实用，又不太难的--比如书法 三则，即为了考试 也有学了知识--岂不更好，既然要学，为什么不学点更为有用的呢，反正要考，反正时间都要过……
中国书法的发展史
中国书法的演变过程可简单归纳为：甲骨文（商）→金文（周）→小篆（秦）→隶书、草书、行书（汉）→楷书（魏晋）中国书法发展史详细介绍如下：1、先秦书法为学术界公认的中国最早的古汉字资料，是商代中后期(约前14至前11世纪)的甲骨文和金文。2、秦代书法秦统一后的文字称为秦篆，又叫小篆，是在金文和石鼓文的基础上删繁就简而来。3、汉代书法汉代分为西汉和东汉，两汉三百余年间，书法由籀篆变隶分，由隶分变为章草、真书、行书，至汉末，中国汉字书体已基本齐备。隶书是汉代普遍使用的书体。4、魏晋书法魏晋是完成书体演变的承上启下的重要历史阶段。是篆隶真行草诸体咸备俱臻完善的一代。汉隶定型化了迄今为止的方块汉字的基本形态。隶书产生、发展、成熟的过程就孕育着真书（楷书），而行草书几乎是在隶书产生的同时就已经萌芽了。真书、行书、草书的定型是在魏晋二百年间。5、南北朝书法南北朝时期的书法进入北碑南帖时代。此时书法以魏碑最胜。魏碑，是北魏以及与北魏书风相近的南北朝碑志石刻书法的泛称，是汉代隶书向唐代楷书发展的过渡时期书法。6、唐代书法整个唐代书法，对前代既有继承又有革新。楷书、行书、草书发展到唐代都跨入了一个新的境地，时代特点十分突出，对后代的影响远远超过了以前任何一个时代。6、五代书法分裂混乱的局面持续五十四年，其间兵戈迭起。书法艺术虽承唐末之余续，但因兵火战乱的影响，形成了凋落衰败的总趋向。7、宋代书法从公元960年至 1279年，三百多年间，书法发展比较缓慢。8、元代书法纵观元代书法，其成就大者还在真行草书方面。至于篆隶，虽有几位名家，但并不怎么出色。这种以真、行、草书为主流的书法，发展到了清代才得到改变。9、明代书法明代象宋代一样也是帖学大盛的一代。法帖传刻十分活跃。整个明代书体以行楷居多，未能上溯秦汉北朝，篆、隶、八分及魏体作品几乎绝迹，而楷书皆以纤巧秀丽为美。10、清代书法是书法发展史上的又一个中兴期，上与大唐时代遥相呼应。清代的书法发展，按时间大致可分三段。早期（约顺治、康熙、雍正时）是明季书风的延续，属帖学期；中期（约乾隆、嘉庆、道光时），帖学由盛转衰，碑学逐渐兴起；晚期（约咸丰、同治、光绪、宣统时），是碑学的中兴期。11、近代书法在书坛走向多元化的今天，书法艺术升华到观念变革的高层次，这无疑是迈了一大步。书法现代性并不是简单地取决于书法艺术的形式、结构、线条等外在面貌，而是取决于内在精神的现代化。书法现代性的精神是指当代书法艺术所体现、传导的现代社会的价值趋向。扩展资料：中国五千年璀璨的文明及无与伦比的丰富文字记载都已为世人所认可，在这一博大精深的历史长河中，中国的书画艺术以其独特的艺术形式和艺术语言再现了这一历时性的嬗变过程。而具有姊妹性质的书画艺术在历史的嬗变中又以其互补性和独立性释读了中国传统文化内涵。由于书、画创作所采用的工具与材料具有一致性。《历代名画记》中谈论古文字、图画的起源时说：“是时也，书、画同体而未分，象制肇创而犹略，无以传其意，故有书；无以见其形，故有画”。书画虽然具有同源的可比性，但以后的发展状况是以互补的独立性发展变化的。中国书法艺术的形成、发展与汉文字的产生与演进存在着密不可分的连带关系。那么究竟什么是“书法”呢？我们可以从它的性质、美学特征、源泉、独特的表现手法方面去理解。书法是以汉字为基础、用毛笔书写的、具有四维特征的抽象符号艺术，它体现了万事万物的“对立统一”这个基本规律又反映了人作为主体的精神、气质、学识和修养。参考资料：百度百科-中国书法史
谁有中外美术史参考大纲？或者外国美术史复习大纲，或者中国美术史大纲，中外美术史试题也可以，急求！
一、中国美术史部分
第一章 史前及先秦美术
重点∶彩陶。青铜器。
第二章 秦汉美术
重点∶汉画像砖、画像石。
第三章 魏晋南北朝美术
重点∶顾恺之。
第四章 隋唐美术
重点∶人物画。阎立本。吴道子。张萱。周昉。
第五章 五代两宋美术
重点∶人物画。山水画。院体画。
第六章 元代美术
重点∶元四家及文人山水画。
第七章 明代美术
重点∶明四家、董其昌。花鸟画。
第八章 清代美术
重点∶四王、四僧。花鸟画。扬州画派。
二、外国美术史部分
第一章 原始与古代美术
第一节 原始美术
重点∶洞窟壁画。母神雕像。
第二节 古希腊美术
重点∶古希腊美术的特点。雕刻。
第二章 中世纪美术
重点∶中世纪美术的特点。哥特式教堂建筑。
第三章 文艺复兴美术
重点∶文艺复兴美术的特点。达•芬奇。米开朗基罗。拉斐尔。
第四章 十七世纪美术
第一节 巴洛克美术
重点∶巴洛克美术的特点。贝尼尼。鲁本斯。
第二节 其他代表美术家及其作品
重点∶委拉斯贵支。
第四章 十八世纪美术
第一节 罗可可美术
重点∶罗可可美术的特点。华多。布歇。弗拉戈纳。
第二节 其他代表美术家及其作品
重点∶戈雅。
第五章 十九世纪美术
第一节 新古典主义美术
重点∶新古典主义美术的特点。大卫。安格尔。
第二节 浪漫主义美术
重点∶浪漫主义美术的特点。席里柯。德拉克洛瓦。
第三节 现实主义美术
重点∶现实主义美术的特点。库尔贝。米勒。罗丹。列宾。
第四节 印象主义美术
重点∶印象主义美术的特点。莫奈。德加。雷诺阿。
第五节 新印象主义美术
重点∶新印象主义美术的特点。修拉。
第六节 后印象主义美术
重点∶后印象主义美术的特点。塞尚。凡高。高庚。
简述中国书法的发展历史
起源：书法是汉字的书写艺术。汉字在漫长的演变发展的历史长河中，一方面起着思想交流、文化继承等重要的社会作用，另一方面它本身又形成了一种独特的造型艺术。它不仅是中华民族的文化瑰宝，而且在世界文化艺术宝库中独放异采。
近代经过考证，关于中国文字起源，一般认为在中国黄河中游的“仰韶文化时期”，已经创造了文字，距今约5000、6000年左右。仰韶文化因1921年首先在河南绳汕仰韶村发现，故名。近40余年，又陆续有许多发现。1954年在西安半坡仰韶遗址，又出土了很多陶器，其口缘外往往刻有不同的符号。1959年，在山东大汶口地区也发现了仰韶文化的文字符号。
经考征，这些符号即是简单的文字，有的已经释出。至于大汶口陶器文字图的文字则是意符“热”字，已是合体图画的会意字。太阳烤得下面起了火，就是热。有人认为这些符号就是“结绳而治”以后的“书契”。
世界上各民族的文字，概括起来有三大类型，即表形文字（图画文字）；表意文字，（字体表示语言中的词或词素）；表音文字（拼音文字）。汉字则是典型的在表形文字基础上发展起来的表意文字。
象形的造字方法即是把实物画出来。不过画图更趋于简单化、抽象化，成为突出实物特点的一种符号，代表一定的意义，有一定的读音……
我们的汉字，从图画、符号到创造、定型，由古文大篆到小篆，由篆而隶、楷、行、草，各种形体逐渐形成。在书写应用汉字的过程中，逐渐产生了世界各民族文字中独一的、可以独立门类的书法艺术。
中国书法发展史简要
中国五千年璀璨的文明及无与伦比的丰富文字记载都已为世人所认可，在这一博大精深的历史长河中，中国的书画艺术以其独特的艺术形式和艺术语言再现了这一历时性的嬗变过程。而具有姊妹性质的书画艺术在历史的嬗变中又以其互补性和独立性释读了中国传统文化内涵。如今发现的与原始汉字有关的资料，主要是原始社会在陶器上遗留下来的刻画符号但许多文字学家认为，它们还不是文字，只是对原始文字的产生起了引发的作用。春秋战国时期，各国文字差异很大，是发展经济文化的一大障碍。秦始皇兼并天下，丞相李斯主持统一全国文字，使之整齐化一，这在中国文化史上是一伟大功绩。从汉字书法的发展上看，魏晋是完成书体演变的承上启下的重要历史阶段。是篆隶真行草诸体咸备俱臻完善的一代。汉隶定型化了迄今为止的方块汉字的基本形态。隶书产生、发展、成熟的过程就孕育着真书(楷书)，而行草书几乎是在隶书产生的同时就已经萌芽了。真书、行书、草书的定型是在魏晋二百年间。唐代文化博大精深、辉煌灿烂，达到了中国封建文化的最高峰，可谓“书至初唐而极盛。”唐代墨迹流传至今者也比前代为多，大量碑版留下了宝贵的书法作品。北周衰微之际，宋太祖赵匡胤发动陈桥兵变，自立为帝，建立赵宋王朝。半个世纪的五代十国分裂混乱局面至此结束，国家复归统一。从公元960年至 1279年，三百多年间，书法发展比较缓慢。扩展资料：书法的整体形态美：中国字的基本形态是方形的，但是通过点画的伸缩、轴线的扭动，也可以形成各种不同的动人形态，从而组合成优美的书法作品。结体形态，主要受两方面因素影响，一是书法意趣的表现需要；二是书法表现的形式因素。就后者而言，主要体现在三个方面：一为书体的影响，如篆体取竖长方形；二为字形的影响，有的字是扁方形、而有的字是长方形的；三为章法影响。因此，只有在上述两类因素的支配下，进行积极的形态创造，才能创作出美的结体形态。参考资料来源：百度百科—中国书法史
